El 8 de noviembre de 1972, durante la Guerra de Vietnam, la aviación estadounidense bombardeaba con napalm la zona de Trang Bang. En aquel lugar se localizaban varios reporteros que cubrían la acción militar, tanto camarógrafos como fotoperiodistas captarían la instantánea de varios niños que huían aterrorizados del fuego. Uno de ellos, Kim Phuc, una niña de nueve años, que corría desnuda, mostraba en su espalda los efectos de las horribles quemaduras.
Huynh Cong Ut (Nick Ut), era uno de los fotógrafos que documentaron aquel instante. Su fotografía frontal, con un plano abierto, mostraba a aquellos niños huyendo despavoridos. En un plano posterior, como escoltando al grupo, tenemos a varios soldados vietnamitas, y al fondo una gran humareda negra producto de la explosión.
AP distribuiría este documento, instantánea que sería publicada en centenares de medios, convirtiéndose en uno de los iconos de aquel conflicto.
Esta fotografía reportó a su autor varios premios, el Pulitzer (1973) y el World Press Photo of the Year (1972).
Sin embargo, la escena divulgada no coincide con la original, pues la foto fue recortada para eliminar buena parte del lado derecho, en donde aparecen varios soldados y otro fotógrafo. Este último, que se vería incluido dentro de la escena principal, estaba recargando una de sus cámaras. Sin querer roba algo de protagonismo a los niños, pero sobre todo rebaja el dramatismo de la secuencia y trasmite cierto grado de indiferencia hacia las víctimas.
Bruce Davidson (Chicago, 1933) es un extraordinario fotógrafo, no solo por la técnica, tampoco por las temáticas, sino por su implicación personal con aquello que capta. De alguna manera, aunque esté tras el objetivo de su cámara, parece estar presente en la vida de aquellas personas que inmortalizó. Y, aunque al principio de su carrera, dentro de la lógica, fue influido por los fotógrafos de la época, posteriormente terminaría por definir su propio estilo, lo que le convertiría en un icono de la fotografía del siglo XX y profesional influyente.
Davidson, asimismo, se define como un fotógrafo humanista, un calificativo acertado, pues su trabajo destila valores, principalmente por que no observa a la persona como objeto, sino como ser humano, como a un igual. Lógicamente, por el contenido de las series, Bruce debe ser clasificado, además, como fotoperiodista, como fotógrafo de rodaje y como fotógrafo social. Y, en cualquier caso, como documentalista.
Los trabajos son de distinto origen, desde materiales para revistas, como Live, como integrante de la agencia Magnum o independientes. Las fotografías publicadas para revistas son interesantes, aunque a veces fuese rechazado por la dureza de su contenido, pues cierta imagen rompía, contradecían y negaban los iconos del “sueño americano”.
El objeto preferido del Bruce es el hombre, quien aparece en retratado en solidario, en pareja o formando grupos. Su persecución del realismo es tan insistente que termina por entrar en contacto con grupos marginales o con aquellos que constituyen pequeñas sociedades, como las comunidades circenses. Igualmente, busca la visibilidad de los indefensos, interiorizando tanto su situación de discriminación que se solidariza con ellos. Por este y otros motivos, no es difícil comprender el trabajo como un conjunto que persigue defensa y la visibilidad de los otros, como su participación, en todos los sentidos, de las marchas a favor de los derechos civiles de los negros.
Otro ejemplo es la serie sobre una de las bandas callejeras, en donde busca al delincuente, sino al adolescente. O la realizada con los vecinos de bloque de viviendas de la calle 100 Este de Harlem, localizado entre la Primera y Segunda Avenida. Estas fotos son magistrales, pues demuestra la invisibilidad del fotógrafo, la colaboración del modelo, el compromiso del icono y el compromiso de la causa. Es tan profunda la relación entre fotógrafo y algunos de los personajes que se establecería una profunda relación de amista o de interés por el progreso de sus vidas.
En definitiva, tenemos una exposición comprometida con los “desheredados”, con la marginalidad, con “los otros” y con “lo primitivo”; le interesa las microsociedades, las familias amplias formadas sin vínculos de sangre: las bandas callejeras, los mineros, las comunidades de vecinos, los clientes de una taberna, etc.
Aquí en las salsas de la Fundación, se proponen las siguientes series: John y Kate Wall, Pagatonia-Arizona (1955); La viuda de Montmartre, París (1956); El enano y el circo (1958-1967); Bandas de Brooklyn, Nueva York (1959); Inglaterra/Escocia, (1960); Sicilia (1961), México (1962), España (1965); Tiempo de cambio (1961-1965); Chicago (1964), Loa Ángeles (1964); Gales (1965); Calle 100 Este, Harlem, Nueva York (1966-1968); Cafetería Garden (1973-1976); Metro de Nueva York (1980); Central Park, Nueva York (1992-1995); Naturaleza de Paris (2005-2006); Naturaleza de los Ángeles (2008-2013).
En definitiva, esta retrospectiva de Bruce Davidson nos propone en recorrido por una parte de las sociedades modernas, actual a pesar de las fechas del trabajo, en donde se observa al hombre invisible, el que matiza la humanidad.
Un expresión común dice que para gustos los colores, principio que podríamos aplicar a la exposición presentada por Hiroshi Sugimoto. En la Fundación Mapfre se ha organizado una muestra monográfica dedicada a este japonés. Un fotógrafo que se traslada en los años setenta a Estados Unidos para aprender el oficio, por cierto bien asimilando. Con un perfil polifacético ha trabajado la escultura, la arquitectura, etc. Centrándonos en la fotografía, parece estar catalogado como «uno de los más importantes autores de la escena interés nacional». Esta afirmación se asienta en las varias exposiciones montadas en otros países y que algunas de sus obras están colegas en las paredes de instituciones museísticas de prestigio.
Su técnica es depurada, sigue utilizando las cámaras analógicas y emplea procesos artesanales para visualizar sus trabajos. En la rueda de prensa de ayer, soltó una de esas frases que aparecen en los titulares: la historia de la fotografía acaba con la aparición de las cámaras digitales, pues la fotografía resultantes es manipulable. Jeje. Hemos descubierto un nuevo crimen.
Fidel Castro, 1999. Hiroshi Sugimoto
Hablemos de dos de los temas que ahora se presentan. Dioramas, son fotografías tomadas, impecables y en blanco y negro, de los montajes museísticos del Museo de Historia Natural de Nueva York. Curioso, ¿todo esto es real?.
El siguiente grupo, Portrait, una serie de retratos?, fotografías de estudio, de personajes históricos moldeadas en cera. Y seguro que alguien dirá que ha captado la esencia y que realmente están vivos. Honestamente, creo que estos se caracterizan por una profunda frialdad, normal, los modelos no son de carne y hueso: son maniquíes.
No digo más. Ojo, ¿merece la pena visitar la exposición? Rotundamente sí. Su contenido nos proporciona un paso más para comprender la historia de la fotografía y el trabajo que desarrollan los fotógrafos. Cada cual elige su camino.
Título de la muestra: Hiroshi Sugimoto
Lugar: Fundación Mapfre, Paseo de Recoletos, 23. Madrid
Afal es un colectivo de fotógrafos con rasgos comunes, uno de los grupos más notables de la fotografía española del siglo XX, concretamente de los años centrales de la centuria. El nexo de unión entre todos ellos sería la publicación periódica homónima, editada entre 1956-1963. Curiosamente, su contenido era compartido con el cine, de hecho en su fase final atendía más a este medio que a la propia fotografía. Quizá la gran aportación del colectivo sea la propia revista, pues era el medio de difusión que daba salida a la creatividad y discusión de sus integrantes. Desgraciadamente, la publicación moriría, joven, por motivos económicos.
Entre los integrantes de Afal se encontraban fotógrafos como Carlos Pérez Siquier, Alberto Schommer, Leonardo Cantero, Joan Colom, Francisco Ontañón Núñez, Ramón Masats, Françesc Català-Roca, Gabriel Cualladó Candel, Francisco Gómez Martínez, Ramón Masats Tartera, Oriol Maspons, Rafael Sanz Lobato, Gerardo Vielba Calvo, etc. Un perfil muy heterogéneos, con distintos perfiles y procedencia geográfica, aunque todos confluían en la revista. Los principales focos fueron Almería, Cataluña, Valencia o Madrid, y existía entre ellos cierta vinculación por asociacionismo o por confluencia, como: la Agrupación Fotográfica de Cataluña, la Agfoval de Valencia, las Real Sociedad Fotográfica de Madrid o el grupo La Palangana.En sus trabajos parece que existen cierta tendencia por fotografía lo cotidiano, la realidad -social- que les rodea. Y aunque no existe un afán por la crítica de la situación del país, si se dan las constantes de la fotografía documental, en donde el retrato adquiere un fuerte protagonismo. Asimismo, para acrecentar dicha visión social, se huye de la fotografía como objeto artístico.De cara al espectador la exposición tiene un doble contenido y ocupa dos salas. Por un lado, está la fotografía, por otro, un interesante material documental relacionado con la revista, como maquetas, correspondencia, etc., todo ello depositado en los fondos del Reina Sofía.
Pedro Madueño, cordobés (1961), fotógrafo vinculado al periodismo, en concreto con el diario La Vanguardia, se presenta como uno de los retratistas más interesantes de los últimos años. Para corroborarlo, CaixaForum, con una reducida muestra, expone una selección de medio centenar de fotografías publicadas en dicho periódico. Retratos que ayudan a conocer una parte de nuestra historia reciente a través de un buen número de personajes de la cultura (escritores, arte, espectáculos, fotógrafos, etc.), del periodismo, de interés social, etc.
El retrato no es sencillo, sobre todo cuando te dedicas a él casi en exclusividad y cuando estos tiene un carácter periodístico. En su caso, Madueño se entrega en cuerpo y cámara, creando una colección de imágenes muy intensas, quizá demasiado agudas para la perspectiva del espectador. Desde la misma perspectiva, suele incorporar toda una serie de contextos pictóricos. Y, aunque la mayoría de las fotografías son en blanco y negro, todas demuestran un fuerte dominio de la luz y de los espacios.
No obstante, la mejor baza del fotógrafo es su capacidad por obtener lo mejor de cada modelo, al menos lo que él quiere fijar en cada retrato. Poses o posturas, espacios y ambientes controlados. En cualquier caso la mira del personaje es básica, y aunque combina distintos planos, parece preferir los primeros planos, de ahí que consiga intensidades magistrales en los rostros.
Título exposición: Pedro Madueño. Cinco minutos. Retratos periodísticos. 1977-2015
Fechas: 23 de octubre de 2015 al 10 de enero de 2016.
Jousef Koudelka, checo, nacido (en 1938) en la vieja Checoeslovaquia, es un fotógrafo con una lógica visual demoledora. Observa el entorno y manifiesta visualmente sus impresiones. No se mira a las cosas con su propia mirada o el objetivo. Hace unos días, alguien, escribía que mientras utilizamos nuestra cámara no disfrutamos de los eventos. Este razonamiento puede ser cierto en algún grado, pero niego la mayor. El fotógrafo ve el espacio a su manera y nosotros vemos ese mismo espacio a través de la especial mirada de él. Por este motivo, y otros, la fotografía es lo que es y Koudelka es un ejemplo que demuestra la importancia de la fotografía como documento.
La Fundación Mapfre acoge y presenta una exposición retrospectiva, la más completa hasta el momento, de un profesional que se vería obligado a exiliarse de su país tras la Primavera de Praga y que forma parte de la nomina, desde hace cuarenta años, de la acreditada Agencia Magnum. En total, 150 obras que recorren cronológicamente todo su itinerario como fotógrafo: primeras obras y su pasado como fotógrafo de teatro; su obsesión por los gitanos; la represión de la Primavera de Praga; el exilio; y los panoramas de gran formato.
Koudelka, no solo por el exilio, sino por su propia personalidad era un viajero que tiene una enfermiza necesidad de viajar para conocer el mundo que le rodea más allá de su propio hogar. Es aquí, quizás, en donde empieza a configurar su propia personalidad como fotógrafo. Captura un instante, un lugar, una persona y lo hace inmortal y universal. Su afán por conquistar y parar el tiempo se confirma en el volumen, enorme, de fotografías realizadas a lo largo de su carrera, continuista para algunos temas, evolucionista para otros.
CZECHOSLOVAKIA. Slovakia. Jarabina. Gypsies. 1963. Cortesía Josef Koudelka/Magnum Photos
El mejor ejemplo es su trabajo centrado en los gitanos, un conjunto extraordinario, con algunas fotografía magnificas. No solo nos ha trasladado una parte de la historia social de la vieja Europa de antaño. Entiendo que existe una observación previa, un trabajo para ganar su confianza y pasar desapercibido con su cámara. De esta manera obtiene dos tipos de momentos, de quietud o de movimiento explosivo. Los primeros parecen escenas sacadas de un teatro, los actores parecen marionetas al servicio de Koudelka y posan a su antojo creando una especie de naturalezas muertas. Los segundos, demuestra una explosión de vida, curiosamente los protagonistas son los niños.
CZECHOSLOVAKIA. Prague. August 1968. Warsaw Pact tanks invade Prague. Cortesía Josef Koudelka/Magnum Photos
Igualmente, por su valor como fuente primaria para documentar la historia de Europa y por su carácter testimonial, debo destacar su trabajo sobre la invasión de las tropas de Pacto de Varsovia y la posterior represión de la Primavera de Praga en agosto de 1968. Convertido en fotoperiodista obligado por las circunstancias del momento. Los carretes utilizados salieron del país clandestinamente y su contenido fue publicado por medios de todo el mundo de manera anónima. Protección que se mantendría activa hasta la década de los ochenta. En la exposición se recogen varias de estas fotografías, incluidas aquellas que se divulgaron con tachaduras sobre los rostros de los manifestantes para proteger sus identidades y sus vidas.
JORDAN. Amman. Cortesía Josef Koudelka/Magnum Photos
Nuestro particular recorrido concluye con los Panoramas, una serie que comienza en 1986 y en donde emplea una cámara panorámica. Curiosamente, los lugares que elige son espacios que han sufrido profundos cambios o destrucción, procesos que ha sido generados por la mano del hombre o por el paso del tiempo. Su esfuerzo por captar dichos procesos no se ha quedado circunscrito a crear panorámicas grandes panorámicas, también con varias publicaciones desplegables. Wall es su último trabajo, editado en 2014, una mirada crítica del muro construido por Israel para cercar los territorios palestinos.
Título de la muestra: Josef Koudelka
Sede: Fundación Mapfre. Sala Bárbara de Braganza, 13
PHotoEspaña 2015 ha reservado para el espacio de la Fundación Telefónica para presentar una retrospectiva del polifacético fotógrafo guatemalteco Luis González Palma. La muestra no es una exposición de fotografía, sino la presentación de fotomontajes o de objetos pictóricos con base fotográfica, casi setenta obras realizadas entre 1988 y 2015.
Tanto la nota de prensa, como el comisario Alejandro Castellote, se centran en el concepto de constelaciones, Luis, habla de una sola constelación, quizá debería de ser resumido todo bajo el concejo de un alma que ha sufrido y sufre notablemente. Es muy probable, desde mi entendimiento actual, que el adjetivo que califique el trabajo expuesto por este guatemalteco sea el de sufrimiento íntimo. Incluso, el propio montaje, que juega claramente con la oscuridad, para resaltar con luces dirigidas cada una de las obras redunde en este mensaje.
A veces no encontramos demasiado conceptuales, en otras ocasiones las imágenes creadas son mas claras y coloridas –“Jerarquías de intimidad, 2007”-, también se presentan figuras y modelos distorsionados, sobrecogen los retratos de algunos de sus compatriotas.
Sin embargo, de todas las series me quedo “Jerarquías de intimidad, 2004”, pues merece un comentario más detenido, pues Luis González nos muestra una secuencia de mundos que se introducen en el surrealismo con todos sepias, en donde las paradojas del alma parecen vencer a la mente. Se mezclan sueños, pesadillas, submundos, etc., en una sobrecogedora secuencia que demuestra el sufrimiento al que puede llegar el ser humano. En este caso, además, no se ha quedado en un diván, y ha traspaso los intimo para hacerse público, transfiriéndose dicho dolor de persona a persona.
Möbius, 2013No quería hablar de esos años de la Serie Jerarquías de la Intimidad (El Encuentro), 2004Historias Paralelas. Sin título 1995-2012guardaespaldas, serie tu mirada me distorsiona sin saberlo 2009
Título: Luis González Palma. Constelaciones de lo intangible
PHotoEspaña 2015 ha reservado para el espacio de la Calcografía Nacional una moderna visión del fenómeno de la emigración centroamericana a Estados Unidos. El título de la misma es: “Trama centroamericana. Una mirada colectiva a la migración”. Según la nota de prensa, se han seleccionado una serie de fotógrafos emergentes y consolidados que han observado la migración, al emigrante y algunos de los fenómenos generado con su presencia o ausencia de los lugares de referencias. Algunas de las series han sido preparadas y dramatizadas, otras han buscado la realidad, tanto que nadie puede negar su valor documental. Las mas de setenta fotografías no pretenden una visión estética, tampoco entiendo que busque la denuncia, aunque a veces esta cualidad no puede separarse de la imagen, los autores solo quieren mostrar una dura realidad cotidiana para estos colectivos. De las serie voy a destacar aquellas que más me han llamado la atención.
En el camino, un trabajo ya antiguo (2008-2009), perteneciente al Colectivo Ruido Photo, y que documentaría el duro peligroso viaje, junto a los indocumentados, que lleva a estas personas al interior de los Estados Unidos.
Sefe Heaven de Rhut Prieto, quien documentaría, en 2012, la vida de varias mujeres emigrantes residentes en los barrios con concentración de comunidades hispana en Nueva York.
Delia painted her room in blue. “It was my favorite color sometime ago, now I want to paint it pink”
El resto de las series son muy desiguales, de hecho una de ellas, Arquitectura de remesas, me resulta insulsa, parece fotografías tomadas para un catálogo inmobiliario. Cierto que se documenta el efecto del envío de las remesas de dólares a los lugares de origen de los emigrantes, y como ha ocurrido en otras tantas ocasiones, aquellos quieren volver a sus casa, a una nueva casa, un edificio que revindique el fruto de su esfuerzo, como los indianos españoles cuando volvían de hacer las américas.
PHE’15 es Iberoamericana. Las cifras resumen la magnitud del evento que suma ya XVIII ediciones: 101 exposiciones, 395 fotógrafos y 16 sedes distribuidas por una extensa geografía que ocupa siete países. Lógicamente, Madrid sigue siendo el epicentro, que este año se llena de espacios dedicados a la fotografías hechas por “artistas” iberoamericanos o que versa sobre aquellos lugares. Hoy, PHotoEspaña es iberoamericana y su título así lo certifica: Nos vemos acá. Fotografía latinoamericano.
Lo cierto es que intentar enumerar y resumir el contenido de la actual edición es una tarea demasiado compleja. Sin embargo, tiene carácter y diversidad, tanta como queramos ver e interpretar. De hecho, para todos los interesados y, aunque algunas de las exposiciones ya estén abiertas, quieran seguir el calendario -principalmente entre el 3 de junio y el 30 de agosto-, les va a faltar tiempo y capacidad de asimilación para toda la información propuesta. La respuesta estará en el interés y en el gusto personal de cada uno de nosotros.
No obstante, intentaremos orientar a los interesados identificando aquellas propuestas que más nos han llamando la atención.
Mirar la arquitectura. Fotografía monumental en el S XIX. Sede: Biblioteca Nacional de España. La BNE España revisa sus fondos para crear un relato histórico, artístico, fotográfico y patrimonial sobre la fotografía de arquitectura en el XIX con los Trabajos de Beacucorps, Le Clercq, Clifford o Laurent acompañados por obras procedentes de instituciones como el Museo del Prado o Bibliothéque Nationale de France.
Latin Fire. Otras fotografías de un continente 1958-2010. Colección Anna Gamazo de Abelló. Sede: CentroCentro Cibeles. PHotoEspaña presenta una selección obras de los fondos de la Colección Anna Gamazo de Abelló, una de las más destacadas de Europa en el ámbito de la fotografía latinoamericana. Una muestra que revisa un periodo de alta efervescencia.
En la mirada del otro. Fotografía histórica de Ecuador: la irrupción en la Amazonía. Sede: Círculo de Bellas Artes. Testimonios fotográficos de la penetración occidental en la Amazonía, de carácter religioso o mercantil. La exposición reúne valiosas piezas para dilucidar cómo las fotografías han construido la imagen del mestizo y de los indígenas.
Lola Álvarez Bravo. Colecciones fotográficas de la Fundación Televisa. Sede: Círculo de Bellas Artes. El Círculo de Bellas Artes descubre la obra de la fotógrafa mexicana Lola Álvarez Bravo, figura clave del renacimiento artístico de México tras la revolución. Álvarez Bravo creó un estilo propio desde las raíces de lo auténticamente mexicano, expresando con su cámara la dignidad, humanidad e individualidad de sus retratados.
Historia de Almayso. Pasado, presente y futuro de la obra de Alfredo Mahou y Solana. Sede: Conde Duque. Más de 5.000 placas de vidrio correspondientes al archivo del estudio Almayso descubren el Madrid del siglo XIX. Una muestra que desvela la pasión por la fotografía de Alfredo Mahou y Solana, director de la primera fábrica de cerveza Mahou.
Florentino Díaz. Pasajes de Europa. Sede: Matadero. Matadero Madrid presenta el nuevo trabajo del artista Florentino Díaz, una reflexión acerca de la historia de Europa en el último siglo. La instalación está inspirada en el último gran proyecto de Walter Benjamin, El libro de los pasajes.
Korda, retrato femenino. Sede: Museo Cerralbo. Una exposición que muestra una de las facetas más desconocidas de la obra de Korda, sus retratos femeninos. La muestra desvela la pasión que el autor del mítico retrato del Che Guevara sintió por la belleza de la mujer
Construyendo mundos. Fotografía y arquitectura en la era moderna. Sede: ICO. El Museo ICO presenta una muestra producida por el Barbican Centre que explora la simbiótica relación entre fotografía y arquitectura desde la América de 1930 al Pyongyang actual. Entre los 18 fotógrafos que conforman la exposición se encuentran Berenice Abbott, Walker Evans, Ed Ruscha, Hiroshi Sugimoto, Guy Tillim y Bernd y Hilla Becher.
Manuel Carrillo. Mi querido México. Obras de la Colección de Bank of America Merrill Lynch. Sede: Museo Lázaro Galdiano. Una selección de fotografías de la prestigiosa colección del Bank of America Merrill Lynch que presenta la obra del llamado “Maestro mexicano”. La obra de Manuel Carrillo, caracterizada por su respeto y amor a México y sus gentes, se presenta junto a la de fotógrafos coetáneos como Ansel Adams, Paul Strand y Edward Weston.
Trama centroamericana, una mirada. Colectiva a la migración. Sede: Real Academia de BBAA. Cuatro proyectos fotográficos abordan las problemáticas de la migración a Estados Unidos. Puntos de vista diversos sobre las contradicciones y complejidades de la migración prestando atención a aquellos que migran y a quienes dejan detrás.
Julio Zadik. Un legado de luz. Sede: Real Jardín Botánico. PHotoEspaña presenta la obra de Julio Zadik, fotógrafo guatemalteco que permaneció alejado de la vida pública durante casi cuatro décadas. Esta exposición coloca su obra en la dimensión que le corresponde a través de una revisión de su legado fotográfico.
Antonio Olazábal. In a silent way. Sede: Centro Cultural Anabel Segura, Alcobendas. Un trabajo fotográfico realizado en Tokio que trata traducir la soledad y la multitud que habitan la capital japonesa. El título de la muestra, que remite a una canción de Miles Davis, hace referencia a la manera silenciosa y serena con la que el fotógrafo pretende retratar la capital nipona.
Osvaldo y Roberto Salas. La poesía de la imagen. Sede: Cuenca. Dueño de una extensa trayectoria, el fotógrafo cubano Osvaldo Salas osciló entre el glamour de las estrellas del cine y del deporte, y la documentación de la Revolución Cubana. Esta exposición, la primera del artista en Europa, reúne una amplia representación fotográfica de todos los temas que abordó y la pone en relación con los trabajos de su hijo, Roberto Salas.
La Comunidad de Madrid ha organizado una exposición retrospectiva del reportero Enrique Meneses, ya fallecido (1929-2013). La sede elegida es la Sala Canal de Isabel II, un espacio, desde mi punto de vista, magnífico para este tipo de eventos. La muestra ha seleccionado y conjuga una serie de objetos personales, audiovisuales y, lógicamente, cerca de un centenar de fotografías. El conjunto es el resultado de la selección realizada por Chema Conesa, comisario, en su archivo, custodiado y gestionado de la Fundación Enrique Meneses, visualizado a lo largo de un magnífico recorrido.
Las fotografías, todas en blanco y negro, han sido organizadas en función de una serie de temas: hechos históricos (Cuba-Sierra Maestra; Kruschev y Kennedy; el Egipto de Nasser; y la lucha de los negros estadounidenses por los derechos civiles), bodas reales (Juan Carlos y Sofía; Sha de Persia- y retratos de personalidades del ámbito de la cultura (Picasso, Henry Fonda, Peter O’Toole y Luis Miguel Dominguín). La mayor parte de este material es el resultado de su trabajo como reportero internacional, con gran proyección editorial al publicarse sus fotografías en medios como Paris Match o The New York Time.
Cassius Clay leyendo sus poesías en NY. FEM
La calidad técnica del fotógrafo es incuestionable, aspecto que se magnifica por la temática de los trabajos, pero sobre todo por la propia mirada personal del Meneses.
Su objetivo es directo, no le importa la ubicación-localización de los personajes, cualquier lugar y plano es bueno, busca un encuadre lo más abierto posible para que no se pierda ningún detalle, y, por supuesto, huye de cualquier artificio. El resultado es un instante barnizado de espontaneidad. Su presencia debió pasar desapercibida en muchas ocasiones, contexto que le permitiría captar las cosas tal y como fueron, sin artificios, ni teatralizaciones. Y aunque no busca el género de la fotografía documental, consigue que sus fotografías tengan el carácter de acta notarial.
De la galería de retratos o de fotografía de los personajes de interés social, me quedo con las de Dalí, expresivas, luminosas, magníficas.
DOC Malalana 