Archivo de la etiqueta: Exposiciones de fotografía

Joan Vilatobà. Exposición

Autorretrato

IMG_5348Una pequeña sala en el Museo Romántico, algo más de una veintena de imágenes enmarcadas, resumen la obra de Joan Vilatobà (Sabadell, 1878-1954). No cabe duda, que su anterior trabajo como pintor tendría su consecuencia, pues sería uno de los primeros fotógrafos pictorialistas en Cataluña, dibujando una estética reconocible en el Romanticismo. La obra del fotógrafo catalán, que ya contaría con una exposición en el Círculo de Bellas Artes de Madrid en 1919, es se suma importancia, no por la herencia dejada, sino por el empecinamiento de Joan por identificar la fotografía como arte, como una técnica de expresión del intelecto, diferenciándose de aquellos que documentaban su entorno. Una clara diferencia entre unos y otros es esa visión intelectual del “oficio”, publicando sus estudios o trabajos en revistas especializadas. En 1919, la revista Lux, dedicada a la fotografía artística, editaba su artículo «A los detractores de la fotografía».

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Presentación a la prensa

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El trabajo de Vilatobà se desarrolla a lo largo de tres temáticas, el paisaje, las figuras y las composiciones, con un uso intensivo de la luz y las sombras, alcanzando en algunos casos efectos de profunda teatralidad mitológica, oscura y tenebrosa. Varios de sus trabajos fueron positivados en papel de gran formato, empleado, además la técnica del carbón. Por lo temas y las técnicas utilizadas las grandes fotografías trasladan al espectador de estar contemplando verdaderas obras pictóricas. Como ejemplos señalaremos Nuevas generaciones, Meditación, ¿En qué lugar del cielo te encontraré? Sin embargo, personalmente, me atrajeron otros trabajos, más naturales, menos escenificados, más ingenuos, como su autorretrato y la pareja formada por una madre gitana y su hijo/a.

¿En qué lugar del cielo te encontraré? (ca. 1903-4)
¿En qué lugar del cielo te encontraré? (ca. 1903-4)

PHotoEspaña 2014 nos ofrece la oportunidad de contemplar y comprender los primeros momentos de la fotografía, de su reivindicación como arte, y lo hace gracias a la figura de los pictorialistas Joan Vilatobà y Antoni Arissa (https://antoniomalalana.wordpress.com/2014/06/04/arissa-la-sombra-y-el-fotografo-1922-1936-cronica-de-la-exposicion/). Recomiendo, pues las sedes están muy próximas, visitar primero el Museo Romántico y luego acudir al Espacio Fundación Telefónica.

Título de la muestra: Joan Vilatobà

Certamen: PHotoEspaña 2014

Fechas: 4 de junio al 27 de julio de 2014

Sede: Museo Romántico. C/ San Mateo, 13. Madrid

Web oficial: http://museoromanticismo.mcu.es/actividades/exposicionesTemporales/actuales.html

Galería fotográfica en Flickr:

Joan Vilatobà, "Sin título" (1903-1905)

Arissa. La sombra y el fotógrafo 1922-1936. Crónica de la exposición

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Siempre que comenzamos el tema dedicado a la fotografía, les traslado a mis alumnos varias reflexiones, aunque siempre subrayo una de ellas: como país somos afortunados por contar, en ocasiones desconocidos, con un patrimonio fotográfico enorme. Además, las exposiciones fotográficas, que tan frecuentes son en los últimos años -varias de ellas incluidas dentro de PHotoEspaña– y que tantos nos gustan, demuestran el valor -incalculable-, el volumen -desconocido- y la calidad -indiscutible- de la fotografía analógica.

Precisamente, la recuperación de la obra de Arissa, gracias a la iniciativa de la Fundación Telefónica, certifica el anterior comentario. Ahora, como colofón al proyecto se ha presentado una exposición antológica.

Como primer comentario debo indicar que el trabajo de Antoni Arissa Asmarats (Barcelona, 1900-1980), asombra, tanto por la técnica, como por la iconografía. Dicha emoción se agranda cuando comprendemos el valor los fotógrafos que utilizaban aquellas cámaras “primitivas”.  Otro de los elementos sobresalientes es el destino de su trabajo, el “arte fotográfico”, y el medio para la difusión, las revistas especializadas en fotografía. Efectivamente, el fotógrafo catalán se aparta de los reporteros gráficos, documentalistas de la actualidad que buscaban colocar su trabajo cotidiano en los diarios y en las revistas ilustradas.

untitled2Por tanto, Arissa utilizará la fotografía como una forma de expresión intelectual, de proyección artística, tan intensamente, que algunas de sus obras deben ser incluidas en la tendencia pictoricista. En este momento los personajes capturados componen escenas fuera del estudio, con paisajes rurales y urbanos que trasmiten cierto grado de melancolía. Arissa_El-beso-1930-1936-Archivo-Arissa-Fundacion-Telefonica

El siguiente paso, sin embargo, es diametralmente opuesto, pues se integraría en la corriente de la vanguardia fotográfica, siendo uno de los mejores exponentes españoles. En este momento su profesión de origen, el oficio de impresor, acentuarían las cualidades personales, una labor que cuadra perfectamente con una potente modernización de la publicidad impresa, medio muy influenciado también por las corrientes de la época, y cuyos diseños daban cabida a la fotografía como soporte. Ahora, Arissa busca como objeto de estudio a niños y adultos, a familiares y desconocidos, exteriores abiertos, interiores, objetos, composiciones y montajes. En su composición es determinante la utilización de la luz, en concreto la utilización de las sobras. Lógicamente, el formato en blanco y negro facilita esta estética. Por otro lado, y a pesar de ser un punto y aparte en su trabajo, sigue empleando las reconstrucciones teatralizadas, algunas incluso recuerdan ciertos rasgos de la propaganda política de la época (catálogo, pp. 68 y 69). En cualquier caso, su vanguardismo incorpora los rasgos del modernismo, tan visible en Europa, como en Estados Unidos. Incluso, algunas de estas imágenes, por su estética, podrían compararse a ciertas escenas del filme expresionista aleman Metropolis del austriaco Fritz Lang (1927).

La Guerra Civil tendría un efecto negativo sobre Antoni, pues abandonaría el arte de la fotografía. La quiebra intelectual de la postguerra fue definitiva.

IMG_5224 IMG_5299La exposición reúne 161 fotografía catalogadas entre 1922 y 1936. El espacio expositivo se organiza principalmente a lo largo de varios pasillos paralelos y siguiendo un riguroso orden cronológico. Una advertencia a los visitantes, no debemos olvidarnos de las paredes exteriores, no están fuera del circuito. Otro de los elementos, que si no se explican, pasan desapercibidos a los ojos de público. La mayoría de las fotografías tienen un tamaño adecuado para la contemplación, no se emplea el gran formato –según el color del marco se identifica la procedencia de los fondos-, el formato de menor tamaño –tanto el marco, como la reproducción en papel- se corresponden con reproducciones originales.

Presentación de la exposición a la prensa
Presentación de la exposición a la prensa
Valentín Vallhonrat, uno de los comisarios, explica el contenido de la muestra a los periodistas
El comisario Valentín Vallhonrat explica la muestra

Arissa es un gran fotógrafo, sorprende por su estética y temática. Familiarizados con el enorme volumen de la fotografía documentalista, y aunque su trabajo sirva para ilustrar una época, contemplar imágenes alejadas “de la realidad mediática” es reconfortante. En el fondo hemos cambiado una pinacoteca por una fototeca, por una magnífica fototeca, en donde es complicado señalar algunos ejemplos identificativos, quizá, y entro otros motivos, ante la falta de títulos que identifiquen muchas de las fotografías. No obstante, destacaría aquellas que incluyen a niños, también a sus hijas, algunas de las naturalezas muertas, El beso, El perseguido, etc.

Mª Angeles Arissa hija y temática de Antoni posa ante los fotógrafos delante de sus fotografías
Mª Angeles Arissa hija y temática de Antoni posa ante los fotógrafos delante de sus fotografías

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Título de la exposición: Arissa. La sombra y el fotógrafo 1922-1936

Sede: Espacio Fundación Telefónica. Gran Vía, 28. Madrid

Fechas: del 4 de junio al 14 de septiembre de 2014

Web oficial: http://espacio.fundaciontelefonica.com/2014/05/19/arissa-la-sombra-y-el-fotografo-1922-1936/

Portada_catalogo_ArissaCatálogo de la exposición: Zúñica Ortiz, C. (2014) Arissa. La sombra y el fotógrafo 1922-1936. Madrid: Fundación Telefonía, 194 págs.

Este catálogo-álbum cuenta con un capítulo introductorio firmado por los comisarios de la exposición, Rafael Levenfeld y Valentín Vallhonrat, que lleva el mismo título que la muestra (pp. 6-17). El texto contextualiza la obra de Arissa, también la línea argumental y narrativa de la exposición, agrupando el material a lo largo de tres los bloques temático. El tono del discurso es sencillo, cercano y, por supuesto, divulgativo.

Nota de prensa

Seguimiento en los medios:

Fernández-Santos, E. (2014) “Antoni Arissa, el eslabón perdido de la fotografía española”. El País, [en línea] 4 de junio, p. 42. Disponible en: http://cultura.elpais.com/cultura/2014/06/03/actualidad/1401818438_569258.html

Pulido, N. (2014) “«Arissa. La sombra y el fotógrafo» (Fundación Telefónica)”. ABC, 4 de junio, p. 73.

Ramón, E. (2004) “Antoni Arissa, el fotógrafo recuperado”. Rtve.es, [en línea] 3 de junio. Disponible en: http://www.rtve.es/noticias/20140603/arissa-fotografo-recuperado/947622.shtml [incluye video].

Riaño, P. H. (2004) “Arissa, el eslabón perdido de la fotografía”. Elconficendial.com, [en línea] 4 de junio. Disponible en: http://www.elconfidencial.com/cultura/2014-06-04/arissa-el-eslabon-perdido-de-la-fotografia_141139/.

«Todo Centelles, 1934-1939». Crónica de la exposición

IMG_5166Organizado por la Fundación Pablo Iglesias aunque con sede en el Instituto Cervantes tenemos el privilegio de acudir a una muestra que tiene como principal argumento la República y la Guerra Civil a través de los ojos de un fotógrafo, un recorrido casi uniforme, por algunos de los acontecimientos y hechos relevantes de aquellos años. El lugar elegido es el hall del Instituto Cervantes, anteriormente un banco, un espacio adaptado que puede confundir al visitante, pues el centenar de documentos están ubicados en cuatro espacios distintos, dos de ellos podrían pasar desapercibidos. La falta de indicadores es un hándicap para el visitante. Desde esta perspectiva estamos ante una exposición huérfana de marketing expositivo.

La argumentación o hilo narrativo es sencillo y lógico: cronológico temático. Literalmente tenemos la «Segunda República Española, el comienzo de la Guerra Civil, el Frente de Aragón y más tarde, su paso por el Campo de Bram, documentando las penosas condiciones de vida de los internos». En la muestra nos encontramos con documentos y objetos personales, incluyendo una cámara, y, fundamentalmente, la fotografía. Como fotoperiodista, el destino de su trabajo era la divulgación a través de la prensa, diaria y revistas ilustradas, regionales, nacionales e internacionales. Por tanto, encontramos, como complemento al núcleo principal, la fotografía, una recopilación de los medios escritos que editaron algunos de sus trabajos. Así, a los pies de las fotos se distribuyen varios expositores. En su interior han sido recuperados los ejemplares originales o facsimilares de aquellas portadas o páginas interiores que contienen dichas imágenes. Como ejemplo citamos una de las fotos fetiche, aquella que le ha identificado profesionalmente, los Guardias de Asalto en la calle Diputación el 19 de julio en Barcelona, de gran difusión y uno de los iconos visuales de la Guerra.

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El montaje general de la exposición recuerda otra muestra de temática parecida, como la dedicada a la Maleta Mexicana de Capa.

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El trabajo de Centelles es extraordinario, un referente del fotoperiodismo español, tan excelente y contundente como el de otros países. No me gusta la comparación con Capa, sobre todo cuando la comparación es a la inversa. Parece que el nivel comparativo se utiliza como un estándar de calidad de nuestros profesionales. Fotógrafos como Alfonso, Marín, Yubero o el propio Centelles creo que, como reporteros gráficos, fueron superiores técnica y temáticamente a Capa. Sería muy interesante proponer una exposición comparativa, que incida, precisamente en el origen del fotoperiodismo y las propuestas de cada uno de estos profesionales, abarcando un periodo concreto, la Guerra de Marruecos y la Guerra Civil para poder extraer conclusiones. Además, Centelles aprovechando su capacidad y oportunismo sería capaz de captura al propio Capa trabajando, varios son los ejemplos, los últimos identificados se sitúan en la despedida de las Brigadas Internacionales en Barcelona, cuando ambos trabajaban alrededor de los vehículos que trasladaban a Negrín y a Azaña. Es muy probable que si se hubiesen conservado los negativos de Capa, la escena, como en un espejo, sería la inversa.Juan Negrin fotografiado por Centelles

Por tanto, la muestra es un buen reclamo, tanto para indagar en la historia de la fotografía, del fotoperiodismo y de Centelles, también en la Guerra Civil, pues tenemos pequeños y, casi, perfectos storyboard de ciertos hechos. Con esta serie de fotografías se confirma esa vertiente documentalista de la fotografía, que llega y enseña más que los propios textos. La fotografía es directa, contundente, “honesta”, etc., aunque siempre observemos las escenas desde el ojo del fotógrafo y este hecho tiene sus ventajas y sus contraprestaciones.

Al margen de la referencia ya mencionado sobre la confusión generada alrededor de los ámbitos expositivos, sólo un comentario negativo de la exposición, el espacio dedicado a Centelles y su relación con la prensa australiana está fuera de lugar, pues rompe la línea narrativa propuesta desde un principio.

Título de la exposición: «Todo Centelles, 1934-1939»,

Sede: Instituto Cervantes. Alcalá, 49. 28014, Madrid

Fechas: 23 de abril al 25 de mayo de 2014

Horario: entre semana solo abre en horario de tarde.

Información complementaria:

http://www.fpabloiglesias.es/exposiciones/historico/19085_todo-centelles

http://www.cervantes.es/sobre_instituto_cervantes/prensa/2014/noticias/expo-todo-centelles.htm

Catálogo: [Todo] Centelles. Madrid: Fundación Pablo Iglesias, 2014. http://www.fpabloiglesias.es/editorial/catalogos/19099_todo-centelles. El álbum-catálogo cuenta con varios textos: “Mi padre, mi maestro”, firmado por su hijo Octavi Centelles i Marti; “La Mirada transversal de Centelles”, de uno de los comisarios, Joaquín Gasca; y “Agustín Centelles en la prensa de Australia (1934-1938)” -un curiosos apéndice-, de otro de los comisarios, Antón Gasca.

La cámara indiscreta. Magnum firma fotografías de rodaje

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El cine es magia, es ficción. De hecho, el espectador, aun siendo consciente del artificio, se deja engañar por lo que ve en la gran pantalla. El cine ha establecido una extraordinaria relación entre el público y las historias que se cuentan. Percibimos odio, tristeza, alegría, lejanía, cercanía, etc., nos dejamos manipular por las palabras, frases, ideas, proclamas, etc.; pero sobre todo nos dejamos convencer por los personajes (los actores) que las proclaman.

En el rodaje, este espacio intermedio entre la inspiración, la redacción del guion, la selección del director y de los actores, etc., y el montaje, es un territorio de combate entre directores, guionistas, actores y productores. El filme es el producto final, un espacio con metraje, enlatado y acotado. Al fin y al cabo, una película es la historia que el director traslada al público con mayor o menor fortuna. Como espectadores, al margen de la labor de los distribuidores y promotores, solo vemos el resultado final: la narración de una historia.

IMG_4856Sin embargo, el cine también es fotografía, incluso cuenta con un género propio, la fotografía de rodaje. En España, que sepamos, durante los años setenta, contábamos con fotógrafos especializados en los rodajes. Su misión era muy simple. La principal, prepara las instantáneas necesarias para promocionar la película. Las fotografías serían utilizadas para la publicidad cinematográfica, para confeccionar los carteles, los pressbook y los fitocromos. La secundaria, pero para mí, quizá, la más interesante, es la de documentar el rodaje, el trabajo del director, de los técnicos y de los actores, del ambiente, etc. Todos estos materiales son imprescindibles para documentar e ilustrar la Historia del Cine. Y aunque no es el momento de poner ejemplos, Stanley Kubrick es un extraordinario referente.

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IMG_4872Algunos de los miembros de la agencia Magnum, infiltrándose en los estudios o en los lugares de rodaje, actuaron como verdaderos fotógrafos de rodaje. La exposición La cámara indiscreta. Tesoros cinematográficos de Magnum Photos recoge algunos buenos ejemplos, aunque no únicos. El pasado año Madrid ya acogería otra exposición de la agencia, Magnum’s First (https://antoniomalalana.wordpress.com/2013/10/25/magnums-first-exposición/), aquí uno de los fotógrafos seleccionados para la primera exposición colectiva de Magnum, celebrada en la década de los cincuenta, Ernst Haas, aportaba su reportaje centrado en el rodaje de la superproducción del genero histórico Tierra de faraones.

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La muestra, que se expone en la magnífica Sala Canal de Isabel II, recoge 116 instantáneas. Mayoritariamente en blanco y negro, realizadas por 17 fotógrafos de la Agencia, además de los carteles de las películas y varias vídeos con escenas de cada uno de los títulos cinematográficos seleccionados. Las películas fueron rodadas, principalmente durante las décadas de los años 50, 60 y 70. Los filmes son: Candilejas (C. Chaplin), La tentación vive arriba (Billy Wilder), Rebelde sin causa (Nicholas Ray), Moby Dick (John Huston), De repente el último verano (J.L. Mankiewicz), El Álamo (J. Wayne), Vidas rebeldes (John Huston), El precos (Orson Welles), El planeta de los simios (F.J. Schaffner), La muerte de un viajante (V. Schlöndoff), etc. Es decir, un conjunto de títulos que han marcado la Historia del Cine estadounidense.

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Chaplin detrás de las cámaras. Foto W. Eugene Smith (Magnum Photo)

 

El planeta de los simios. Fotos Dennis Stoch (Magnum Photo)
El planeta de los simios. Fotos Dennis Stoch (Magnum Photo)

Lógicamente, ahora los protagonistas son los fotógrafos que firman las imágenes: W. Eugene Smith, Elliott Erwitt, Dennis Stock, Nicolas Tikhomiroff, Erich Lessing, Burt Glinn, Jean Gaumy, Bruce Davidson, Inge Morath, Eve Arnold, Cornell Capa, Henri Cartier-Bresson, Ernst Haas, Erich Hartmann, Peter Marlow, David Hurn y Gueorgui Pinkhassov. Todos han captado sorprendentes escenas en las que se observa el trabajo de un buen número de directores y actores, como: Charlie Chaplin, Montgomery Clift, James Dean, Clarke Gable, Katharine Hepburn, Charlton Heston, Dustin Hoffman, Buster Keaton, Klaus Kinski, John Malkovich, Marilyn Monroe, Gregory Peck, Anthony Perkins, Romy Schneider, Elizabeth Taylor, John Wayne, Orson Welles o Natalie Wood. Ahora ya no sabemos quiénes son los verdaderos protagonistas, los fotógrafos, los disectores o los actores.

Marilyn Monroe durante el roda de Vidas rebeldes. Foto Eve Arnold (Magnum Photos)
Marilyn Monroe durante el rodaje de Vidas rebeldes. Foto Eve Arnold (Magnum Photos)

La exposición es interesante y sorprendente, pues actores y directores actúan con tanta naturalidad y los fotógrafos son tan precisos que las fotografías muestra una naturalidad extraordinaria, cualidad que aun da mayor valor a estos reportajes. Desde mi punto de vista, dos de estas fotografías puede resumir perfectamente esta afirmación. En la primera, instantánea de Eve Arnold, comprobamos la profunda concentración, casi como en un aislamiento místico, de la actriz Marilyn Monroe. En la segunda, Charlton Heston, durante un descanso en el rodaje del Planeta de los Simios, aparece sentado, pensativo.

Exposición: La cámara indiscreta. Tesoros cinematográficos de Magnum Photos.

Sede: Sala Canal de Isabel II. Calle Santa Engracia, 125. 28003 Madrid

Fechas: 2 de abril al 27 de julio de 2014.

Mas información: http://www.madrid.org/cs/Satellite?c=CM_InfPractica_FA&cid=1354314520164&idConsejeria=1142697631805&idListConsj=1109265444710&idOrganismo=1109266228350&language=es&pagename=ComunidadMadrid%2FEstructura&sm=1109170600517

Manuel Laguillo. Razón y ciudad. Reseña breve del libro

Portada_LibroManolo Laguillo

Razón y Ciudad

Madrid: Fundación ICO; La Fábrica, 2013. 35 págs..

ISBN: 978-84-156191-27-3

El catalogo de fotografía Razón y Ciudad reúne y revisa las obras más importantes realizadas por el fotógrafo Manolo Laguillo hasta hoy, momento en el que sigue trabajando. Elaborado bajo la dirección del artista y con los comentarios de historiadores, teóricos de la fotografía, arquitectos y escritores (Alberto Martín y Laura González Flores; Valentín Román e Iván de la Nuez; Juan Herreros y Javier Pérez Andújar) se trata de un espacio para la reflexión y el análisis de uno de los mejores fotógrafos de la ciudad y la arquitectura que ha dado este país.

La elección de las personas que acompañan al observador en este aspecto no tiene nada de sorprendente, Manolo Laguillo es un artista que reflexiona constantemente sobre la historia y la metodología de su disciplina, muy ligado al mundo de la arquitectura, un apasionado de la música y un lector con mayúsculas.

Esperanza de Coig-O’Donnel (Audema)

Madrid 1910-1935. Crónica de la exposición

IMG_4301Las ciudades cambian, a priori se transforman para mejorar y adaptarse a las necesidades de los ciudadanos, los cambios serán beneficiosos o perjudiciales, el tiempo siempre confirmará cualquier de las dos posibilidades. Quienes deciden dichas reformas lo hacen por distintos objetivos, técnicos, pero fundamentalmente, los gobiernos, son los que impulsan las transformaciones. Algunos de estos cambios suponen la destrucción y la desaparición de espacios, la eliminación de edificios  y la alteración, no solo de los barrios, también de la de sus pobladores y por extensión de la sociedad.

Las grandes ciudades, las capitales, terminan siendo más el reflejo de los políticos que la gobiernan, que de los ciudadanos que la habitan y son gobernados. Madrid es un fiel reflejo de la llamada modernidad. Desde el siglo XVI, por influjo de Carlos V, aunque principalmente por el impulso capitalino de Felipe II, los madrileños hemos asumido, aunque no comprendido, que nuestro entorno urbano no es estático, tanto que en muchas ocasiones nos produce desorientación.

Madrid1910-1935_SubmarinoEl Ayuntamiento de Madrid, con sede en el Cuartel del Conde Duque, ha organizado una exposición fotográfica cuya temática se centra en los cambios operados en la ciudad en las primeras décadas del siglo XX. Los documentos proceden de la Hemeroteca Municipal y del Museo de Historia de Madrid, aunque es necesario aclarar que la mayoría tienen su origen en el Servicio Fotográfico Municipal que comenzó a operar en 1914.

La muestra, bien orientada, adaptada a los espacios del Conde Duque, con una deficiente  iluminación, técnica que sigue siendo el verdadero hándicap de las actuales exposiciones, sigue un orden de carácter temático. Sin embargo, algunos de los grupos sobrepasas, aunque no sobran, el concepto de espacios transformados. Se trata de fotografías tomadas en actos protocolarios, procesiones, verbenas, desfiles, etc. Entonces, mutan los lugares o evolucionan las sociedades. Dos conceptos a debatir para establecer quién influye en qué o qué influye en quién.

En cualquier caso, desde mi punto de vista, al margen de las imágenes que captan a los ciudadanos madrileños, son muy interesantes aquellos documentos que recogen edificios o espacios desaparecidos o transformados, vestigios valiosos para la Historia de Madrid.

IMG_4306IMG_4325Los visitantes que acuden a la sede de la exposición demuestran la capacidad de convocatoria de este tipo de muestras, pues podemos observar: a un par de abuelas discutiendo por identificar un lugar; a un padre recorriendo visualmente con su vástago, orgulloso, una calle, sin ser la misma; también de otros madrileños necesitados de conocimiento; y a turistas curiosos. A veces creemos que la modernidad es un atractivo, cuando resulta que lo de siempre adquiere tanta fuerza, demostrándoseos que la conservación de nuestro patrimonio cultural es un excelente recurso para progresar.

Título de la exposición: Madrid 1910-1935. Fragmentos visuales, secuencias y contrastes de una ciudad en transformación.

Fechas: de 14 de febrero al 20 de abril de 2014.

Sede. Conde Duque, Sala 1 de exposiciones temporales. C/ Conde Duque, 9 y 11. Madrid.

Información complementaria: http://www.condeduquemadrid.es/evento/madrid-1910-1935/

Exposición virtual parcial: http://www.memoriademadrid.es/fondos/VISITAS_VIRTUALES/MadridFragmentosVisuales_VisitaVirtual/virtualtour.swf

Desgraciadamente, no cuenta con catálogo.

Impacto en los medios:

Fanjul, S. C (2014) “Cuando Madrid empezó a ser moderno“. Elpais.com, [en línea] 24 de febrero. Disponible en: http://ccaa.elpais.com/ccaa/2014/02/23/madrid/1393177950_886028.html

Ferran Freixa. Fotografia 1973-2013. Reseña del álbum-catálogo

Portada catálogoFerran Freixa. Fotografia 1973-2013. Barcelona. Centre d’Art Tecla Sala, 189, págs. ISBN: 978-84-938376-3-1.

El álbum-catálogo cuenta con una estructura básica. Además de las fotografías, la obra incluye dos capítulos, quizá prólogos. El primero, escrito por Josep Rigol, “El triomf de la mirada personal” (p. 9), tiene un marcado carácter laudatorio. El segundo, aunque breve, de Cristina Zelich “De l’estat de les coses al sentit del lloc“ (pp. 11-15), rememora el perfil profesional de Freixa y detalla el contexto de la obra.

Completa la parte textual del catálogo una biografía, con formato abreviado, y un listado de exposiciones y publicaciones en la que ha participado, junto a los premios recibidos (pp. 180-183).

En cuanto al objeto, el libro, cuenta con una edición cuidada. La calidad en la reproducción de las ilustraciones, nos permite, a todos aquellos que no hemos tenido el privilegio de acudir a la exposición, contemplar correctamente cada una de las fotografías.

Precisamente, si observamos la muestra a través del álbum-catálogo, estamos contemplando una exposición retrospectiva de la  obra de Ferran Freixa, que, según la prologuista, se definiría como “documentalismo formalista y subjetivo». Asimismo, por la temática, estamos ante un fotógrafo de arquitecturas globales, que capta, tanto los espacios exteriores, como los ambientes interiores. Con un ese estilo marcadamente formalista, nos presenta cada lugar, aunque no lo tenga, como una realidad simétrica, en donde cada objeto está en su sitio, colocado, sin salirse la zona marcada. Nada sobresale, nada estorba. Incluso, aunque de manera testimonial, la figura o figuras humanas, cuando aparecen, sirven para engrandecer los espacios.

Cada fotografía, en blanco y negro, encuentra los contrastes de la luz para agrandar el objeto o la arquitectura percibida. A veces, parece que tenemos en nuestras manos postales. El extraordinario ambiente pictórico con el que envuelve al edificio, sitúa en la misma jerarquía a los edificios abandonados y los monumentos arqueológicos. Incluso, cuando surge la tragedia, como el incendio del teatro Liceo, por cierto las únicas fotos en color, Freixa busca y encuentra la estética de la desdicha.

Información de la exposición: http://www.teclasala.net/detallActe_2.aspx?2ZqO2FtwI6hFD0rRGoUaDKvh7XSE1kYwsJqazAoSDVsfk0kqazB

Las exposiciones fotográficas, un referente cultural para Madrid

IMG_1853Madrid es hoy un reclamo para las exposiciones fotográficas. Quizá uno de los referentes impulsores y dinamizadores ha sido PhotoEspaña, que año tras año ha ido creciendo y mejorando su oferta, siendo uno atractivos culturales cada año. Las convocatorias expositivas se multiplican, tanto fuera como dentro del marco de PhotoEspaña, ganando en capacidad de atracción cultural sobre otras artes, como la pintura, por ejemplo. Sin embargo esta afirmación podría discutirse, pues ciertos pintores e instituciones museísticas son capaces de atraer de manera masiva a los visitantes. La comparativa la hago desde la globalidad, no caso a caso.

Las ventajas de las muestras fotográficas son un valor añadido para aumentar la oferta. Como los costes, mucho menos elevados, entre otras circunstancias por el efecto de los seguros, el traslado y los propios montajes. Por otro lado, como documento iconográfico, como objeto visual, su contenido consigue ser reconocible, ya que la realidad temporal representada puede estar muy próxima a nuestras propias vivencias, al igual que los lugares, los personajes -socialmente identificables o anónimos-.

Asimismo, gracias al desarrollo de las nuevas tecnologías las cámaras, ahora digitales, permiten que todos nos sintamos “fotógrafos” y que queramos plasmar nuestro entorno de la mejor manera posible. Una buena cámara con sus objetivos están al alcance de todos aquellos que quieran aprender a manejarlas y a captar la realidad. De ahí, que las exposiciones fotográficas sean también un referente de aprendizaje, entre otros cuestiones, porque sabríamos reconocer la técnica, el lenguaje, el motivo, el encuadre, etc. Sin menospreciar a nadie, creo que es mucho más difícil formarse como pintor o escultor que como fotógrafo. El talento necesario para cualquier arte es incuestionable, incluida para la fotografía, pero tendríamos mayores posibilidades de desarrollar nuestra personalidad plástica como fotógrafos.

Por tanto, esta última fase del año, Madrid acoge numerosas propuestas, como las de tienen su sede en el Círculo de Bellas Artes (WordPress Photo 2013 o Catalá Roca), la Fundación Canal (Agencia Magnum), etc. De cada uno de ellas reportaremos su reseña crítica.

Exposiciones fotográficas: Manuel Álvarez Bravo (México, 1902-2002)

la fotoEvento: exposición temporal

Título: Manuel Álvarez Bravo

Lugar de celebración: Fundación Mapfre, Instituto de Cultura. Sala de exposiciones Azca

Fechas: 13 de febrero al 19 de mayo de 2013.

Temática: Fotografía

 

Más información: http://www.exposicionesmapfrearte.com/manuelalvarezbravo/es/

Valoración: Manuel Álvarez Bravo (1902-2002). El fotógrafo mejicano nos muestra, a través de un objetivo muy controlado,  un país con una óptica muy surrealista. Esta puede ser una de las definiciones de la exposición, compuesta por abundante material fotográfico, fragmentos cinematográficos experimentales, revistas ilustradas, etc. Los temas incluyen: objetos, formas arquitectónicas, posados de modelos, lugares, acontecimientos, etc. En ocasiones cuesta diferencias las escenas reales de los ambientes recreados.

La visión, en blanco y negro, de este país, junto a una iluminación casi en penumbra, además de un ambiente desértico, pues disponía de toda la exposición para mi disfrute en soledad, acentuaba mi impresión general sobre el fotógrafo y lo fotografiado. Méjico en un país multitudinario y bullicioso, de ambiente asfixiantes, pero aquí aparece como un espacio yermo e indefenso.

Catálogo: http://www.fundacionmapfre.org/fundacion/es_es/cultura-historia/publicaciones/arte/catalogos-exposiciones/catalogo-manuel-alvarez-bravo.jsp

Prensa:

Merino, A. (2013) «Inesperado Álvarez Bravo». Elmundo.es, [en línea] 4 de abril. Disponible en: http://www.elmundo.es/elmundo/2013/04/04/madrid/1365100377.html