Archivo de la etiqueta: Historia de la Fotografía

La niña del napalm. Enésima foto icónica manipulada

El 8 de noviembre de 1972, durante la Guerra de Vietnam, la aviación estadounidense bombardeaba con napalm la zona de Trang Bang. En aquel lugar se localizaban varios reporteros que cubrían la acción militar, tanto camarógrafos como fotoperiodistas captarían la instantánea de varios niños que huían aterrorizados del fuego. Uno de ellos, Kim Phuc, una niña de nueve años, que corría desnuda, mostraba en su espalda los efectos de las horribles quemaduras.

Huynh Cong Ut (Nick Ut), era uno de los fotógrafos que documentaron aquel instante. Su fotografía frontal, con un plano abierto, mostraba a aquellos niños huyendo despavoridos. En un plano posterior, como escoltando al grupo, tenemos a varios soldados vietnamitas, y al fondo una gran humareda negra producto de la explosión.nina-del-napal

AP distribuiría este documento, instantánea que sería publicada en centenares de medios, convirtiéndose  en uno de los  iconos de aquel conflicto.

Esta fotografía reportó a su autor varios premios, el Pulitzer (1973) y el World Press Photo of the Year (1972).nina-de-napalm-completa1

Sin embargo, la escena divulgada no coincide con la original, pues la foto fue recortada para eliminar buena parte del lado derecho, en donde aparecen varios soldados y otro fotógrafo. Este último, que se vería incluido dentro de la escena principal, estaba recargando una de sus cámaras. Sin querer roba algo de protagonismo a los niños, pero sobre todo rebaja el dramatismo de la secuencia y trasmite cierto grado de indiferencia hacia las víctimas.

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Bruce Davidson, intimidad y realidad en blanco y negro

Bruce Davidson (Chicago, 1933) es un extraordinario fotógrafo, no solo por la técnica, tampoco por las temáticas, sino por su implicación personal con aquello que capta. De alguna manera, aunque esté tras el objetivo de su cámara, parece estar presente en la vida de aquellas personas que inmortalizó. Y, aunque al principio de su carrera, dentro de la lógica, fue influido por los fotógrafos de la época, posteriormente terminaría por definir su propio estilo, lo que le convertiría en un icono de la fotografía del siglo XX y profesional influyente.img_8130

Davidson, asimismo, se define como un fotógrafo humanista, un calificativo acertado, pues su trabajo destila valores, principalmente por que no observa a la persona como objeto, sino como ser humano, como a un igual. Lógicamente, por el contenido de las series, Bruce debe ser clasificado, además, como fotoperiodista, como fotógrafo de rodaje y como fotógrafo social. Y, en cualquier caso, como documentalista.

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USA. New York City. 1959. Brooklyn Gang.© Bruce Davidson / Magnum Photos

Los trabajos son de distinto origen, desde materiales para revistas, como Live, como integrante de la agencia Magnum o independientes. Las fotografías publicadas para revistas son interesantes, aunque a veces fuese rechazado por la dureza de su contenido, pues cierta imagen rompía, contradecían y negaban los iconos del “sueño americano”.

El objeto preferido del Bruce es el hombre, quien aparece en retratado en solidario, en pareja o formando grupos. Su persecución del realismo es tan insistente que termina por entrar en contacto con grupos marginales o con aquellos que constituyen pequeñas sociedades, como las comunidades circenses. Igualmente, busca la visibilidad de los indefensos, interiorizando tanto su situación de discriminación que se solidariza con ellos. Por este y otros motivos, no es difícil comprender el trabajo como un conjunto que persigue defensa y la visibilidad de los otros, como su participación, en todos los sentidos, de las marchas a favor de los derechos civiles de los negros.img_8135

Otro ejemplo es la serie sobre una de las bandas callejeras, en donde busca al delincuente, sino al adolescente. O la realizada con los vecinos de bloque de viviendas de la calle 100 Este de Harlem, localizado entre la Primera y Segunda Avenida. Estas fotos son magistrales, pues demuestra la invisibilidad del fotógrafo, la colaboración del modelo, el compromiso del icono y el compromiso de la causa. Es tan profunda la relación entre fotógrafo y algunos de los personajes que se establecería una profunda relación de amista o de interés por el progreso de sus vidas.

USA. Alabama. Birmingham. 1963. A female protester being arrested and led away by the police.
USA. Alabama. Birmingham. 1963. A female protester being arrested and led away by the police.© Bruce Davidson / Magnum Photos

En definitiva, tenemos una exposición comprometida con los “desheredados”, con la marginalidad, con “los otros” y con “lo primitivo”; le interesa las microsociedades, las familias amplias formadas sin vínculos de sangre: las bandas callejeras, los mineros, las comunidades de vecinos, los clientes de una taberna, etc.

Aquí en las salsas de la Fundación, se proponen las siguientes series: John y Kate Wall, Pagatonia-Arizona (1955); La viuda de Montmartre, París (1956); El enano y el circo (1958-1967); Bandas de Brooklyn, Nueva York (1959); Inglaterra/Escocia, (1960); Sicilia (1961), México (1962), España (1965); Tiempo de cambio (1961-1965); Chicago (1964), Loa Ángeles (1964); Gales (1965); Calle 100 Este, Harlem, Nueva York (1966-1968); Cafetería Garden (1973-1976); Metro de Nueva York (1980); Central Park, Nueva York (1992-1995); Naturaleza de Paris (2005-2006); Naturaleza de los Ángeles (2008-2013).

En definitiva, esta retrospectiva de Bruce Davidson nos propone en recorrido por una parte de las sociedades modernas, actual a pesar de las fechas del trabajo, en donde se observa al hombre invisible, el que matiza la humanidad.

Título: Bruce Davidson(web oficial)

Tipo: Historia de la fotografía. Grandes fotógrafos

Lugar: Fundación Mapfre. Sala Bárbara de Braganza, 13. Madrid

Fechas: desde el 22 de septiembre de 2016 hasta el 15 de enrede 2017.

Grupo Afal. La fotografía española de mediados del siglo XX

PEREZ SIQUIER-La ninna BlancaAfal es un colectivo de fotógrafos con rasgos comunes, uno de los grupos más notables de la fotografía española del siglo XX, concretamente de los años centrales de la centuria. El nexo de unión entre todos ellos sería la publicación periódica homónima, editada entre 1956-1963. Curiosamente, su contenido era compartido con el cine, de hecho en su fase final atendía más a este medio que a la propia fotografía. Quizá la gran aportación del colectivo sea la propia revista, pues era el medio de difusión que daba salida a la creatividad y discusión de sus integrantes. Desgraciadamente, la publicación moriría, joven, por motivos económicos.

Entre los integrantes de Afal se encontraban fotógrafos como Carlos Pérez Siquier, Alberto Schommer, Leonardo Cantero, Joan Colom, Francisco Ontañón Núñez, Ramón Masats, Françesc Català-Roca, Gabriel Cualladó Candel, Francisco Gómez Martínez, Ramón Masats Tartera, Oriol Maspons, Rafael Sanz Lobato, Gerardo Vielba Calvo, etc. Un perfil muy heterogéneos, con distintos perfiles y procedencia geográfica, aunque todos confluían en la revista. Los principales focos fueron Almería, Cataluña, Valencia o Madrid, y existía entre ellos cierta vinculación por asociacionismo o por confluencia, como:  la Agrupación Fotográfica de Cataluña, la  Agfoval de Valencia,  las Real Sociedad Fotográfica de Madrid o el grupo La Palangana.VIELBA CALVO-Retrato de TertreEn sus trabajos parece que existen cierta tendencia por fotografía lo cotidiano, la realidad -social- que les rodea. Y aunque no existe un afán por la crítica de la situación del país, si se dan las constantes de la fotografía documental, en donde el retrato adquiere un fuerte protagonismo. Asimismo, para acrecentar dicha visión social, se huye de la fotografía como objeto artístico.IMG_20160530_111323De cara al espectador la exposición tiene un doble contenido y ocupa dos salas. Por un lado, está la fotografía, por otro, un interesante material documental relacionado con la revista, como maquetas, correspondencia, etc., todo ello depositado en los fondos del Reina Sofía.

Humanismo y subjetividad en la fotografía española de los años 50 y 60. El caso Afal

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Calle Santa Isabel, 52. Madrid

30 de mayo a 7 de noviembre de 2016

El realismo de la fotografía de Koudelka

Jousef Koudelka, checo, nacido (en 1938) en la vieja Checoeslovaquia, es un fotógrafo con una lógica visual demoledora. Observa el entorno y manifiesta visualmente sus impresiones. No se mira a las cosas con su propia mirada o el objetivo. Hace unos días, alguien, escribía que mientras utilizamos nuestra cámara no disfrutamos de los eventos. Este razonamiento puede ser cierto en algún grado, pero niego la mayor. El fotógrafo ve el espacio a su manera y nosotros vemos ese mismo espacio a través de la especial mirada de él. Por este motivo, y otros, la fotografía es lo que es y Koudelka es un ejemplo que demuestra la importancia de la fotografía como documento.

La Fundación Mapfre acoge y presenta una exposición retrospectiva, la más completa hasta el momento, de un profesional que se vería obligado a exiliarse de su país tras la Primavera de Praga y que forma parte de la nomina, desde hace cuarenta años, de la acreditada Agencia Magnum. En total, 150 obras que recorren cronológicamente todo su itinerario como fotógrafo: primeras obras y su pasado como fotógrafo de teatro; su obsesión por los gitanos; la represión de la Primavera de Praga; el exilio; y los panoramas de gran formato.

Koudelka, no solo por el exilio, sino por su propia personalidad era un viajero que tiene una enfermiza necesidad de viajar para conocer el mundo que le rodea más allá de su propio hogar. Es aquí, quizás, en donde empieza a configurar su propia personalidad como fotógrafo. Captura un instante, un lugar, una persona y lo hace inmortal y universal. Su afán por conquistar y parar el tiempo se confirma en el volumen, enorme, de fotografías realizadas a lo largo de su carrera, continuista para algunos temas, evolucionista para otros.

CZECHOSLOVAKIA. Slovakia. Jarabina. Gypsies. 1963.
CZECHOSLOVAKIA. Slovakia. Jarabina. Gypsies. 1963. Cortesía Josef Koudelka/Magnum Photos

El mejor ejemplo es su trabajo centrado en los gitanos, un conjunto extraordinario, con algunas fotografía magnificas. No solo nos ha trasladado una parte de la historia social de la vieja Europa de antaño. Entiendo que existe una observación previa, un trabajo para ganar su confianza y pasar desapercibido con su cámara. De esta manera obtiene dos tipos de momentos, de quietud o de movimiento explosivo. Los primeros parecen escenas sacadas de un teatro, los actores parecen marionetas al servicio de Koudelka y posan a su antojo creando una especie de naturalezas muertas. Los segundos, demuestra una explosión de vida, curiosamente los protagonistas son los niños.

CZECHOSLOVAKIA. Prague. August 1968. Warsaw Pact tanks invade Prague.
CZECHOSLOVAKIA. Prague. August 1968. Warsaw Pact tanks invade Prague. Cortesía Josef Koudelka/Magnum Photos

Igualmente, por su valor como fuente primaria para documentar la historia de Europa y por su carácter testimonial, debo destacar su trabajo sobre la invasión de las tropas de Pacto de Varsovia y la posterior represión de la Primavera de Praga en agosto de 1968. Convertido en fotoperiodista obligado por las circunstancias del momento. Los carretes utilizados salieron del país clandestinamente y su contenido fue publicado por medios de todo el mundo de manera anónima. Protección que se mantendría activa hasta la década de los ochenta. En la exposición se recogen varias de estas fotografías, incluidas aquellas que se divulgaron con tachaduras sobre los rostros de los manifestantes para proteger sus identidades y sus vidas.

JORDAN. Amman.
JORDAN. Amman. Cortesía Josef Koudelka/Magnum Photos

Nuestro particular recorrido concluye con los Panoramas, una serie que comienza en 1986 y en donde emplea una cámara panorámica. Curiosamente, los lugares que elige son espacios que han sufrido profundos cambios o destrucción, procesos que ha sido generados por la mano del hombre o por el paso del tiempo. Su esfuerzo por captar dichos procesos no se ha quedado circunscrito a crear panorámicas grandes panorámicas, también con varias publicaciones desplegables. Wall es su último trabajo, editado en 2014, una mirada crítica del muro construido por Israel para cercar los territorios palestinos.

Título de la muestra: Josef Koudelka

Sede: Fundación Mapfre. Sala Bárbara de Braganza, 13

Fechas: 10 de septiembre a 28 de noviembre

Web: Josef Koudelka

Garry Winogrand. El francotirador de la fotografía urbana

IMG_9515Resulta extremadamente reconfortante que, por primera vez para mi observación, dos fotógrafos, que acudieron a la presentación para la prensa de esta exposición, estuvieran comentando entre ellos alguna de las fotografías incluidas en la muestra. Tampoco debería ser llamativo comprobar como otros profesionales contemplaban las instantáneas sin el objetivo de su cámara como filtro. Quizá la respuesta deberíamos encontrarla en la calidad y contundencia del material reunido en esta ocasión. Igualmente, entendemos el entusiasmo empleado por uno de los comisarios, Leo Rubinfien, en explicar el trabajo y el valor de la obra de Winogrand.

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La Fundación Mapfre, conjuntamente con el San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) y la National Gallery of Art de Washington, ha organizado una exposición, comisariada por Rubinfien y Erin O’Toole, entorno a la figura del fotógrafo estadounidense Garry Winogrand (1828-1984). Y aunque se huye del calificativo retrospectiva, lo cierto es que tenemos la posibilidad de contemplar una reinterpretación profunda de la obra de este fotógrafo. Por ejemplo, mas de la mitad de las fotografías no habían sido positivadas o eran copias olvidadas. Por tanto, este proyecto ha permitido una revisión de la producción, regenerándose, con un difusión mas integral, el legado público de Garry.

Winogrand es uno de los fotógrafos estadounidenses más importantes de mediados del siglo XX. Incluso se afirma que su trabajo, junto al de otros, ha sido determinante para elevar la fotografía a la categoría de arte.

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New York, c. 1960. G. Winnogrand Archive, Center for Creative Photography, University of Arizona

Su mirada, en blanco y negro, refleja la compleja sociedad de Estados Unidos entre 1950 y 1984. Y aunque no su labor reniega del documentalismo, su trabajo es un documento imprescindible para observar y conocer dicha sociedad. De hecho, se le bautizaría como el “Cronista de América”.

El modo de vida americano, el sueño americano, es un tema recurrente. El mismo era consciente de lo que reflejaba con su trabajo, siendo ciudadano de un país que se recuperaba del esfuerzo de la Guerra Mundial. Una sociedad feliz favorecida por un desmesurado crecimiento económico que chocaba con los avatares de la política, la Guerra Fría –Guerra de Corea y Guerra de Vietnam- y los asesinatos de los Kennedy y de Luther King. Lógicamente, este fotógrafo ofrece un recorrido muy extenso y no debemos comparar momentos tan distintos como las décadas de los cincuenta frente a la de los ochenta. En cualquier caso, entiendo, por su técnica, que es un francotirador urbano, que aborda a la gente por sorpresa, robándoles un instante sin que ellos estuviesen preparados para aceptarlo. La calle es su principal ecosistema de trabajo, que junto a cierta “agresividad” fotográfica, le permitieron conseguir momentos limpios, ingenuos, sorpresivo, realistas. Por ejemplo, Nueva York es una sucesión de secuencias rasgadas en clics en manos de Winogrand.IMG_9511

La propuesta de Mapfre recoge más de 200 fotografías. Las salas elegidas corresponden al espacio expositivo de la sede de Bárbara de Braganza, una sede que ya ha albergado otras propuestas fotográficas de la Fundación. El recorrido propuesto a lo largo de las dos plantas se estructura en tres bloques. El primero, ‘Bajando desde el Bronx’, recoge fotografías urbanas de Nueva York realizadas entre 1950-1971. El segundo, ‘Un estudiante de Norteamérica’, recoge su trabajo fuera de la ciudad y realizadas durante el mismo periodo. Y, el tercero, ‘Auge y crisis’, recopila su paso, a partir de 1971, por distintos lugares, como Texas, California, Miami, etc.

Tras recorrer las salas, creo que estoy ante uno de los mejores fotógrafos urbanos del pasado siglo. Aunque su obra deba de catalogarse como doméstica, con su peculiar personalidad, su aportación es universal.

Título de la muestra: Garry Winogrand

Sede: Fundación Mapfre. Sala Bárbara de Braganza

Fechas: 23 de febrero a 3 de mayo de 2015

Información complementaria: http://www.exposicionesmapfrearte.com/exposiciones/es/garrywinogrand/

300-cubierta-Garry-Winogrand_tcm164-83360Catálogo: Leo Rubinfien (ed.), Garry Winogrand. Madrid: Fundación Mapfre, 2015.

Con la marca de calidad de las ediciones preparadas por la Fundación para acompañar y documentar las exposiciones que se dirige al publico en general y a los estudiosos interesados. La edición cuenta con una serie de textos contextualizadores preparados por Leo Rubinfien, Sarah Greenough y Erin O’Toole; de Tod Papageorge y Sandra S. Phillips y una cronología de Susan Kismaric.

Información complementaria: http://www.fundacionmapfre.org/fundacion/es_es/cultura-historia/publicaciones/arte/catalogos-exposiciones/garry-winogrand.jsp

La polifacética obra fotográfica de Coburn

IMG_8779Curioso personaje de la fotografía, Alvin Langdon Coburn, un profundo intelectual, que puede ser catalogado como un visionario de la fotografía, sobre todo para el retrato y para la fotografía de arquitecturas. Como “artista” transitaría por el pictorialismo, por la documentación urbana de Nueva York, el cubismo, la abstracción, etc. Un estilo muy personal que mezclaba la realidad y la ficción, extremadamente evolutivo y enormemente confuso como consecuencia de una personalidad complicada, resultante de las circunstancia personales e históricas que le toco vivir. Todo intelectual es el producto de su entorno y Coburn es una excelente demostración. Por otro lado, su legado sería abrumador, a pesar de que destruiría buena parte de su obra, conservándose aún miles de negativos, carta y otro tipo de documentos.

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Gertrude Stein (1874–1946), 7 de mayo de 1913 Colección de la George Eastman House (legado de Alvin Langdon Coburn), Rochester, Nueva York (1967:0156:0016) © George Eastman House, International Museum of Photography and Film

Desde la perspectiva fotográfica creo que debemos fijarnos en algunas de las temáticas o géneros por él desarrollados. Creo que fue un magnifico retratista, en donde se observa cierto grado de locura –genial- y de extravagancia, pues antes de retratar al individuo realizaba una documentación exhaustiva del personaje, ya que ambicionaba que la fotografía fueses el fiel reflejo de la personalidad. La consecuencia es evidente, pues nos ha dejado una magnifica galería de personajes: H.G. Wells, Mark Twain, Auguste Rodin, George Bernard Shaw, Henri Matisse, Max Weber, Igor Stravinsky, etc.

The Thousand Windows, Liberty Tower [Las mil ventanas, Liberty Tower], 1912 Colección de la George Eastman House (legado de Alvin Langdon Coburn), Rochester, Nueva York (1967:0144:0293) © George Eastman House, International Museum of Photography and Film

Quizá una la opción mas habitual del fotógrafo sería la especialización, aprovechar sus habilidades para centrarse en determinados aspectos. Sin embargo, la versatilidad o mutabilidad de Coburn queda demostrada con sus trabajos relacionados con el paisajismo y la arquitectura. Al margen de las imágenes tomadas en el Reino Unido, merece una mención especial las fotografías de Nueva York (1903-1912), en donde consigue la estética de una moderna metrópolis, con los puentes o los rascacielos que comienzan a delinear el horizonte de esta ciudad.

Ahora, la Fundación Mapfre nos regala esta magna exposición, muy completa, comisariada por la especialista Pamela Glasson Roberts, para Corburn encuentre su hueco en la historia de la fotografía de cara al gran público.

Título de la muestra: Alvin Langdon Coburn

Sede:  Fundación Mapfre, Sala Bárbara de Braganza

Fechas: 13 de diciembre de 2014 al 8 de febrero de 2015

Información complementaria: http://www.exposicionesmapfrearte.com/coburn/es/

302x337-Portada-Catalogo-Coburn_tcm164-71822Catálogo: Alvin Langdon Coburn. Madrid: Fundación Mapfre, 2014, 293 país. ISBN: 978-84-9844-497-1

Este catálogo debe ser entendido y clasificado como una obra de referencia para conocer, entender e investigar la obra de Coburn. Igualmente, tanto por el texto, como por la edición de los materiales catalogados, debemos incluir este título dentro de la bibliografía de referencia para la historia de la fotografía. Estructuralmente, el contenido se organiza a lo largo de tres bloques. El primero de ellos “Alvin Langond Coburn: modernista y místico” (pp. 11- 69), escrito por la comisaría de la muestra, es la perfecta introducción para el “Catálogo” (pp. 72-271), editado de manera correcta. Y el último bloque lo constituyen una serie de epígrafes de orientación documental, como el presentado por Anne Cartier-Bresson (“Atlas técnico de las obras…”).

El rostro de las letras. Lo mejor del retrato fotográfico español entre siglos

La belleza de una exposición puede calibrarse de diferentes formas, quizá la principal es aquella que puede medirse desde los sentimientos del espectador. Pues bien, en este caso podemos calificar El rostro de las letras como una muestra con un profundo sentido de la belleza, de la belleza interior del ser humano. Lógicamente, el retrato en general, el fotográfico en particular, capta para siempre toda una serie de matices. Un buen psicólogo, un buen historiador, un buen espectador sabría escudriñar el ambiente en el que fueron tomadas las instantáneas e hipotetizar sobre los pensamientos.escritores_jlj63

Por otro lado, la colección seleccionadas también sirve como recorrido para entender parte de la historia de la fotografía, tanto desde el propio concepto del retrato, como desde la técnica fotográfica. En este caso, es muy interesante hacer un recorrido figurado a lo largo de la interrelación entre el fotógrafo y el personaje objeto del retrato. Igualmente, son magníficas las fotografías de los estudios fotográficos de la época, incluidos los ambulantes, de las salas de revelado o de los fotógrafos trabajando.

El rostro de las letras.exposici?n (4)Como vemos, aún no hemos hablado de los personajes. Aun queda unas líneas para llegar a este punto. No podemos olvidar, no debemos dejar en el anonimato, la larga lista de grandes fotógrafos, un magnifico patrimonio que nuestro país no parece calibrar. Estábamos y estamos a la cabeza de la fotografía. Y aunque podamos debatir se este tipo de fotografía es documental, lo que nadie debe negar en su incontestable valor como documento.

El-rostro-de-las-letras.exposici?n-(5)Centrándonos ya en el tema, viajaremos por una larga y contundente galería de intelectuales, principalmente escritores de la época. Contemplaremos retratos individuales y retratos de grupo. Quiero entretenerme un poco en estos últimos, pues encontraremos las asociaciones, los ateneos, las redacciones de la prensa, las tertulias de café, las familias, etc. Cuando visitemos la exposición deberíamos fijarnos en las actitudes, en la vestimenta, en el peinado, en los espacios físicos seleccionados para crear los ambientes, todo evolucionan con el paso del tiempo. Si difícil es captar la esencia individual, más complejo es agarrar la esencia colectiva. Pondré tres ejemplos, las familias de Unamuno (de V. Gombáu), de Machado (de Alfonso) y Joan Maragall (de P. Mas). La primera habría sido un dolor de muelas para el Gombáu, todos transmiten disgusto; segunda, habría sido una labor sencilla, todo es equilibrio; y, la tercera, tras una pretendido orden de colocación, quien domina la escena es la madre, pues es el centro del universo familiar, grupo en el que también aparece perfectamente integrada la niñera.

En definitiva, cada espectador puede observar de mil manera esta exposición, sabiendo de antemano, que será un regalo para el espíritu.

Título de la muestra: El rostro de las letras. Escritores y fotógrafos en España desde el Romanticismo hasta la Generación de 1914

Sede: Sala Alcalá 31, Calle Alcalá 31

Fechas: lunes, 25 de diciembre y 1 y 6 de enero

Información complementaria

1Catálogo: López Mondéjar, Pablo (ed.), El rostro de las letras. Escritores y fotógrafos en España desde el Romanticismo hasta la Generación de 1914. Madrid: Comunidad de Madrid, ACE, Real Academia Española, 2014. 405 págs. ISBN: 978-84-451-3489-7.

Excelente libro, que presenta una cuidada edición, cuyos textos ayudan a profundizar en el contenido de la exposición. Las fotografías y el resto de los objetos expuestos se integran dentro de los capítulos, cuya aportación visual no se cierra con la expuesta en la sala, pues se integran otras muchas, principalmente de barrios y ciudades. Es un trabajo respetable y bien construido, una herramienta para el futuro.

«Henri Cartier-Bresson». El ojo izquierdo de la fotografía

IMG_5643IMG_5622Primero fue en París, ahora le toca a Madrid y después seguirá su camino a las sedes de Roma y Ciudad de México. Esta será la vida de una intensa, densa (500 objetos) y extraordinaria exposición dedicada al polifacético Henri Cartier-Bresson.

Hiciera lo que hiciera, el joven Henri estaba destinado a engrandecer alguna de las artes. Aunque la pintura y el dibujo fueron el principio y el fin, desde los años de juventud ya utilizaba el objetivo para aproximarse, de una manera completamente diferente, al entorno que le rodeaba. Y en su largo viaje, muchos de los trabajos tendría como destino su difusión en las paginas de distintos tipos de revistas ilustradas, muchas de ellas cabeceras de gran prestigio dentro de los ámbitos de información general, como especializada. En cualquier caso, como cualquier fotógrafo, su trayectoria transitaría por distintas etapas o periodos, línea cronológica que ha sido respetada para la exposición.

IMG_5646Primer periodo, 1926-1935. Se acerca al surrealismo y comienza a trabajar como fotógrafo. Parece que el escaparatismo atraería indefinidamente su atención. Su gran aportación, en este momento, son las imágenes tomadas en las distintas escalas de sus viajes, por Europa, África y América.  Las fotografías africanas desbordan humanismo. Las realizadas en Italia o en España, al margen de buscar amplias perspectivas y lugares elevados, mostrando espacios amplios, a veces vacíos; tampoco desdeña las multitudes -como los grupos de niños- o los detalles. Otras tantas obras tienen enfoques o planos rebuscados, surrealistas, con las figuras humanas difuminadas como consecuencia del movimiento, pero también tipos sociales no convencionales, lejos de los privilegiados. En cualquier caso, son ejemplos retrospectivos de sociedades pasadas, muy atractivas para Henri, muy interesante para nosotros.

IMG_5655Segundo periodo. 1936-1946. Henri Cartier-Bresson, situado ideológicamente a la izquierda, y como hombre de su tiempo, tendría una actitud militante y comprometida con los acontecimientos de la época: trabajara para la prensa comunista (Ce-Soir y Regards, en donde convive y aprende con Capa y Chim),  o se embarcaría en la realización de varios filmes. Algunos de los temas ya tocados en la etapa anterior, captar las clases más desfavorecidas a partir de ahora tendrá un mayor significado. No obstante, aquí encontramos un momento interesante. El diario comunista Ce-Soir le enviaría a Londres como reportero gráfico a documentar la carnación del rey Jorge VI. Al margen de las multitudes y de los tipos humanos, se vería sorprendido por el uso de numerosos periscopios. Otro de los trabajos, chocante, son las fotografías de niños “perdidos” realizadas para el mismo diario y cuyo destino era un concurso “El misterio del niño perdido” (en la exposición puede verse un gran panel con dichas imágenes ya incluidas en las páginas del medio). Y llegamos a la guerra, primero dentro de nuestra Guerra Civil, después la Segunda Guerra Mundial.

IMG_5667Victoria de la vida (Return to life) -IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0030676/-, dirigida por el mismo y el estadounidense Herbert Kline, se centra en mostrar el esfuerzo sanitario de la República española, primero alrededor de las maternidades y atención a los recién nacidos, después el trabajo en el frente y en los hospitales en la retaguardia para tratar y hospitalizar a los heridos en la contienda. Con un tono claramente propagandístico, en muchas ocasiones con movimientos de maniobra perfectamente preparados y con algunas secuencias largas y redundantes, es un documento magnífico para analizar la sanidad militar durante la guerra (en una sala de video puede verse el metraje completo). Para ver la película entrar en el siguiente vínculo: http://parcours.cinearchives.org/Les-films-731-94-0-0.html.

IMG_5677Fidel_Castro_Life_magazineTercer periodo, 1947-1970.  En París, año 1934, se creaba la agencia Alliance Photo, en su nómina, embrionaria de Magnum, aparecen Chim, Capa y Cartier-Bresson. Como miembro de Magnum, Henri reafirmaría su perfil de fotoperiodista y comienza una larga y fructífera carrera de reportajes, cuyas mejores instantáneas tendría cabida en la mejores publicaciones de la época. Recorrerá el mundo para captar las exequias de Ghandhi (1948): será testigo en China del fin del Kuomintang (1948); verá la Rusia de Stalin tras su muerte (1954) -una de sus fotos será portada de varias revistas, incluida Life) o viajará a Cuba tras la crisis de los misiles (1963).

También en este periodo, temática ineludible para todo fotógrafo excepcional, nos dejaría una estupenda galería de retratos, inmortalizando a artistas, escritores, pensadores, científicos.

IMG_5627IMG_5670Al margen de estructurar la exposición desde la perspectiva de la evolución cronológica, nos encontramos con un espacio vital, quizá el principal argumento de la obra de Cartier-Bresson, el ser humano como objeto social, como ilustración antropológica de todas aquellas sociedades que él visito y capto desde ese ojo izquierdo, occidental y francés del la época central del siglo XX. Su magna obra nos permite comparar lugares equidistantes y modos de vida yuxtapuestos.

Recordemos que veremos en las distintas salas un total de 500 obras, por lo que debemos ir con tiempo, sobre todo si vemos al completo el material fílmico, y con cierto grado de paciencia para no saturarnos. Sobre paredes oscuras y la típica luz baja veremos las fotografías enmarcadas en soportes de mediano tamaño, no vamos a encontrar grandes formatos. También, disponemos de varias salas de video con copias de sus filmes documentales. Creo que es una oportunidad única de contemplar el trabajo de uno de los mejores fotógrafos del siglo XX. Además, si aprovechamos las otras exposiciones abierta en el marco de PhotoEspaña 2014, tenemos la oportunidad de hacer un recorrido por la historia de la fotografía.

Título de la muestra: Henri Cartier-Bresson

Sede: Fundación Mapfre. Sala Recoletos, Paseo de Recoletos, 23. Madrid

Fechas: 28 de junio al 7 de septiembre de 2014

Más información en: http://www.exposicionesmapfrearte.com/cartierbresson/es/

Fundación Herni Cartier-Bresson http://www.henricartierbresson.org/

Catálogo de la exposición: Chéroux, C. (dir.) (2014) Henri Cartier-Bresson. Madrid: Fundación Mapfre. 399 págs.cartier-1-580

ISBN: 978-84-98444-471-1

Más información editorial: http://www.fundacionmapfre.org/fundacion/es_es/cultura-historia/publicaciones/arte/catalogos-exposiciones/catalogo-henri-cartier-bresson.jsp.

No cabría otra respuesta a la magna exposición que un grueso catálogo para conmemorar y dejar testimonio de la muestra. Su contenido ha sido preparado en París y traducido al castellano para acompañar a la sede española. El original, editado por el Centro Pompidou, cuenta con colaboradores de esta institución y de la Fundación Henri Catier-Bresson.

Al margen de la introducción, redactada por el editor C. Chéraux, cuenta con varios apartados, espacios que van desentrañando la evolución personal y estética de Cartier-Bresson. El sumario muestra una estructura expositiva organizada en cuatro partes o secciones. Cada una de ellas estará precedida por un trabajo de investigación, texto que irá acompañado por un coherente, pero no abusivo, aparato crítico. A continuación aparecerá el catálogo de las obras expuestas.

El duro placer: Signos ascendentes; La atracción surrealista

A la sombra de la casa marrón: El compromiso militante; El cine y la Guerra

La reconfiguración del mundo: La elección del fotorreportaje; Antropología visual

El disparo fotográfico: Tras la fotografía.

Finalmente, se incorpora un listado del material expuesto y una selección bibliográfica.

Colectivo “La palangana” (1950-1977). Cronica de la exposición

IMG_5414De las tres exposiciones hospedadas para PhotoEspaña 2014 en el Circulo de Bellas Artes, Fotografía 2.0Josep Renau. El estilo de vida americano y La Palangana, es esta última la que más me ha seducido. Este nombre identifica a un colectivo de fotógrafos surgido en el seno de la Real Sociedad Fotográfica en 1959. La nómina de integrantes formada por Fernando Gordillo, Francisco Ontañón, Gabriel Cualladó, Gerardo Vielba, Joaquín Rubio Camín,  Juan Dolcet, Leonardo Cantero, Paco Gómez, Ramón Masats y Sigfrido de Guzmán, nos ha dejado un peculiar grupo, contradictorio entre los miembros, pero capaz de impulsar una regeneración de la fotografía, cuya dinámica se había quebrado, como el resto de la “cultura” tras la Guerra Civil española.

Aunque entendemos perfectamente el concepto colectivo, quizá aquí deba fijarse en la interpretación de grupo de pensamiento heterogéneo surgido a la sombra de su interés por la fotografía. Todos nos muestran su idea del documentalismo fotográfico, fijando mediante el negativo una sociedad española que deambula a lo largo de las décadas de los cincuenta, sesenta y setenta, principalmente ubicados en variopintos escenarios, rincones (interior de sus casas, talleres, soportales, calles, campos, etc.) de España entre 1950 y 1977. Aunque en algunos ejemplos observamos cierto manierismo escénico, el resto es una fotografía espontánea, casi no meditada, pues si el fotógrafo se entretiene puede que el personaje y su atmósfera se evaporen. IMG_5415

Creo que el resultado del trabajo individual de sus miembros nos permite fijarnos en estos archivos para intentar reconstruir nuestro pasado, pues aquellas imágenes arcaicas fosilizaron un presente más cotidiano y genuino de lo que parece, formado por personas y lugares, que pronto dejaría de existir como consecuencia del impulso de una España que emprendía una modernización sin anclajes sociales.

Juan Genovés de Juan Dolcet
Juan Genovés de Juan Dolcet

Título de la exposición: La Palangana

Sede: Círculo de Bellas Artes, Sala Goya. Alcalá, 42. Madrid

Certamen: PhotoEspaña 2014

Fechas: del 4 junio al 31 de agosto de 2014

Comisario: José María Parreño

Más información: http://www.circulobellasartes.com/evento.php?s=exposiciones&id=190

Catálogo o libro guía de la exposición: Chiappe, Doménico (2014) La palangana. Madrid: La Fábrica._visd_0000JPG01KLR

Este pequeño catálogo tiene un magnífico capítulo introductorio, firmado por José María Parreño, “Historia de una fotografía, fotografía de una historia” (pp. 7-15), con un carácter contextualizador del colectivo redactado con un perfecto envoltorio científico.. Al margen del álbum fotográficos, contamos con otros pequeños textos, una “Cronología” (pp. 130-134 que pone en paralelo, entre 1950-1974, los acontecimientos políticos de la época con la actividad cultural, y las  “Biografías” (pp. 135-140) de los componentes del colectivo.

“José Ortiz Echagüe. Norte de África”. Crónica de la exposición

IMG_5404José Ortiz Echagüe (1886-1980), fotógrafo desde su adolescencia, a pesar de no querer serlo, todos sus trabajos son extraordinarios recursos documentales para los investigadores, historiadores, historiadores del arte, arqueólogos, antropólogos, sociólogos, etc. y, por supuesto, para los historiadores de la fotografía.

Esta exposición se centra en uno de los temas preferidos por Ortíz Echagüe, el realizado en Marruecos, durante dos periodos muy distantes, en la primera década del siglo XX y en los años posteriores a la independencia del protectorado, a mediados de los sesenta. Sin embargo, aunque existen diferencias, la imagen las fotografías seleccionadas, muestran un contenido homogéneo por estética, como por temática. Los documentos muestran una galería de retratos, gentes y lugares, muy próximos a la estética pictórica (es pictorialista), mayoritariamente positivadas al carbón, técnica que proporciona un acabado final similar al dibujo a carboncillo.

Ortiz Echagüe Siroco en el Sahara, 1965 © José Ortiz De Echagüe, Fondo Fotográfico Universidad de Navarra. Fundación Universitaria de Navarra, VEGAP.
Ortiz Echagüe Siroco en el Sahara, 1965 © José Ortiz De Echagüe, Fondo Fotográfico Universidad de Navarra. Fundación Universitaria de Navarra, VEGAP.
Ortiz Echagüe Aït Ben Haddou 1, 1965 © José Ortiz De Echagüe, Fondo Fotográfico Universidad de Navarra. Fundación Universitaria de Navarra, VEGAP
Ortiz Echagüe Aït Ben Haddou 1, 1965 © José Ortiz De Echagüe, Fondo Fotográfico Universidad de Navarra. Fundación Universitaria de Navarra, VEGAP

No solo los retratos, también aquellas fotografías que capta a la gente, son modelos teatralizados de los habitantes de la región, fotografía el indigenismo en un intento por inmortalizar aquella sociedad arcaica, no contaminada, pero a punto de desaparecer, extinguida por la acción del hombre moderno. Ha pasado un siglo. Aquel trabajo, aunque ahora más universal, se ha repetido, también en blanco y negro, de igual forma captando sociedades arcaicas amenazadas, de la misma manera dramatizando las escenas con los grupos humanos, de la mano de Sebastião Salgado en Génesis.

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La exposición se distribuye en la alargada sala de exposiciones temporales de la  Calcografía Nacional, separándose algunos espacios, en ambos extremos, mediante sendos paneles fijos. Igualmente, disponemos de un par de expositores horizontales que guardan varios de las publicaciones en donde se editarían sus proyectos.

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Título: José Ortiz Echagüe. Norte de África

Calcografía Nacional. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Alcalá, 13. Madrid

Fechas: del 5 junio al 27 julio de 2014

Certamen: PhotoEspaña 2014

Comisario: Javier Ortiz Echagüe

Más información: http://www.realacademiabellasartessanfernando.com/es/actividades/exposiciones/norte-de-africa-ortiz-echague

file_1300_2300Catálogo: Ortiz Echagüe, J. (dir.) (2013) Norte de África. Ortiz Echagüe. Madrid: La Fábrica; Museo de la Universidad de Navarra; Museo Nacional d’Art de Catalunya.

Álbum fotográfico que incluye un pequeño texto introductorio de Javier Ortiz Echagüe, de carácter divulgativo, pero de excelente contenido, que analiza retrospectivamente, con cierto valor de contexto, el trabajo de Ortíz Echagüe como fotógrafo (pp. 15-43).