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‘La pintura en el cómic’ de Luis García y Asier Mensuro

Nueva imagen (6)Título: La pintura en el cómic

Autores: Luis Gasca y Asier Mensuro

Edición: Madrid, Cátedra, 2014. 341 págs.

ISBN: 978-84-376-3329-9

Sitio web: http://www.catedra.com/libro.php?codigo_comercial=191158

Nueva imagen (3)Nueva imagenMás que conocida es aquella famosa expresión cuyas palabras dictan que está todo inventado, empleada a menudo como muletilla cada vez que descubrimos que un nuevo invento no es tan nuevo como creíamos. Ni siquiera el arte, en su inabarcable complejidad y variedad, en su inestable y eterna fuente de creación, que es la imaginación; se libra de las garras de tal desesperanzadora expresión. Darse cuenta de que pintores, escultores, ilustradores e incluso músicos o bailarines han inspirado parte de sus obras en trabajos anteriores, bien haya sido de su propia disciplina o de cualquier otra, nos deja en ocasiones un gusto extraño. Como si, al saber que la idea no ha sido real y originariamente suya, perdiese ante nuestros ojos no talento, evidentemente, pero quizás sí otros elementos que aportan magia a cada producción y a cada autor: originalidad, autenticidad… Dos sencillos ejemplos de ello son las portadas de las revistas Snarf  y El Víbora, de 1987 y 1988 respectivamente. Los dibujantes que las realizaron idearon a los personajes que aparecen en ellas, pero no el espacio, el lugar o la composición: ambas portadas están recreando uno de los cuadros más famosos del Romanticismo, La balsa de la Medusa de Théodore Géricault.

Pero no todo es “desilusión”, ni mucho menos. Aprender de los maestros, de los elegantemente tildados como clásicos; es un acierto más que un desatino, así como imitarlos (siempre que no se pierda el estilo propio) es una forma de homenajearlos. En el mundo del cómic, que en España está viviendo un importante momento de  crecimiento y evolución, ese homenaje protagoniza más viñetas de las que a simple vista apostaríamos. Muchos dibujantes acuden a quienes portaron bien lápices, bien pinceles, años atrás, como fuente de documentación y también de inspiración. Luis Gasca y Asier Mensuro, ambos expertos en la materia, han dedicado su libro La pintura en el cómic precisamente a estudiar, comentar y compartir cómo dibujantes e historietistas de nacionalidades muy diversas han recurrido a pintores de todas las épocas para basar en sus grandes obras algunas de sus páginas y personajes. Tras la solidez y firmeza que transmite la portada del volumen, de tapa dura, disfrutamos de un interior rico en información, análisis y, como no podía ser de otra forma, una gran cantidad de imágenes a color (se podría asegurar que en ninguna de las 341 páginas falta una imagen) a modo de curiosos y muy interesantes ejemplos y comparaciones históricas y técnicas.

Una introducción y un breve epílogo envuelven los trece capítulos en los que los autores abordan la pintura en el cómic desde la Prehistoria hasta la pintura estadounidense o la oriental, exótica y primitiva; aquella que tanto cautivó primero a los románticos, deseosos de separarse de la rigurosa Academia y su férrea fe en la razón, y posteriormente a artistas como el postimpresionista Paul Gauguin.  En cada uno de los capítulos, Gasca y Mensuro dedican unas líneas a introducir el movimiento artístico, así como a sus principales representantes, algo que sin duda ayuda a situar al lector al contexto en el que, años y siglos después, los dibujantes han retrocedido en el tiempo en busca de encuadres, escenas, movimientos o rostros maestros. Al lenguaje serio y divulgativo del texto, acompañan alusiones a libros y artículos que han tratado la influencia pictórica en cómic y novelas gráficas recientes, así como estudios de pintura o de dibujo por separado. La transcripción de fragmentos escritos por los propios artistas que protagonizan cada sección aporta aún más riqueza, como es el caso de esta poética definición del poeta Baudelaire:

«El Romanticismo no se halla ni en la elección de los temas ni en su verdad exacta, sino en el modo de sentir. Para mí, el Romanticismo es la expresión más reciente y actual de la belleza. Y quien dice Romanticismo dice arte moderno, es decir, intimidad, espiritualidad, color y tendencia al infinito, expresados por todos los medios de los que disponen las artes» (pp. 195-196).

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El foyer de la danza en la ópera, de Edgar Degas (1972)
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Escena de El burdel de las musas, de Gradimir Smudja (2004).
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La noche estrellada, de Van Gogh (1889)
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Promethea, de Joseph H. Williams (2002)

Resulta muy curioso descubrir cómo unos artistas se han decantado por la emulación de la obra de otros, a modo de inspiración o, como se decía anteriormente, homenaje encubierto; mientras que otros directamente han dedicado sus historias dibujadas e ilustradas a aquellos grandes genios, como es el caso de Gradimir Smudja. La Mona Lisa de Leonardo, La libertad guiando al pueblo de Delacroix, El beso de Klimt… Son quizá las escenas más representadas, copiadas y versionadas tanto en arte y cómic como en, por ejemplo, publicidad, pero no sólo de los grandes clásicos vive el artista moderno: hasta un jeroglífico egipcio puede dar más juego del que aparenta. Y eso muestra La pintura en el cómic; cómo se adapta lo antiguo en lo moderno, cómo lo antiguo, afortunadamente, sigue siendo necesario y útil hoy en día para muchas cosas. Gasca y Mensuro lo han visto y ahora lo comparten con los lectores, ya sean expertos o meros curiosos, y el mundo del cómic lo sabe. Lo sabe, lo aprecia y en ocasiones, como guiño, nos lo regala sin que nos demos cuenta.

Andrea Reyes

Graduada en Humanidades

Universidad CEU San Pablo

La Guerra Civil televisada. Reseña del libro

9788415544203Hernández Corchete, Sira (ed.)

La Guerra Civil televisada. La representación de la contienda en la ficción y el documental español.

Salamanca: Comunicación Social, 2012. 219 págs.

ISBN (edición impresa): 978-84-15544-20-3

ISBN (edición eBook): 978-84-1544-21-0

La monografía colectiva analiza e interpreta la producción televisiva, documentales y ficción, concerniente a la Guerra Civil española. El sumario de la obra se sintetiza en una introducción, siete capítulos organizados en dos partes, «La Guerra Civil española desde una perspectiva documental» y «Ficción en torno a la Guerra Civil española», y un epílogo.

Hernández Corchete, responsable del preámbulo, «Introducción. La televisión española como instancia productora de la memoria colectiva e histórica sobre la Guerra Civil» (p. 9-20), concluye, pese a lo que podría parecer, que esta temática tiene una escasa representación en la programación de las televisiones. A partir de la introducción, los textos se articulan a lo largo de las dos partes.

El primer capítulo, escrito por S. Hernández Corchete, «La mirada documental de la Guerra Civil en el tardofranquismo y la Transición. De la celebración de la paz a la búsqueda de la reconciliación nacional» (p. 23-52), es una profunda revisión de la presencia del conflicto en la programación de TVE, desde sus inauguración (1956) hasta los años ochenta, es decir durante el Franquismo, en donde el conflicto se presenta despolitizado, y la Transición, que tienen como objeto un afán democratizador. En cualquier caso, las producciones estuvieron «al servicio de la legitimización de los respectivos sistemas políticos vigentes en España…radicalmente opuestos» (p. 50). Cualidad a tener en cuenta, pues durante ese tiempo, Televisión Española era el único emisor; es decir, disponíamos de un modelo único de representación de la Historia.

J.C. Ibáñez, «Historia y relectura del consenso transicional en los documentales televisivos. El caso de La memoria recobrada» (p. 53-78), indaga en la producción temática a partir de los años noventa. La dilatada lista de títulos también recoge los filmes de propaganda franquista emitidos durante dicho periodo. La primera conclusión, obvia, es que la programación y la producción dependen del partido que gobierna en cada momento. Otra de las aseveraciones, interesantes, es la larga lista de periodistas encargados de los productos audiovisuales. Esta larga introducción tiene por objeto dar paso al análisis de una de las series, por su estructura narrativa, quizá la más interesante de la pasada década: La memoria recobrada. Dirigida por el periodista Alfonso Domínguez y emitida en La 2 (2006), plantea una visión analítica y crítica, lo que le lleva a revisar cual el significado real de la memoria, otorgando al contenido un valor trasgresor de «las normas del paradigma de representación transicional» (p. 75)

A partir del siguiente trabajo abordamos las propuestas desde los canales periféricos, en concreto el catalán y el vasco. E. Castelló se encarga de TV3, «Memoria en conflicto. Guerra Civil y posguerra en los documentales de la televisión catalana» (p. 79-100). A partir de un recuento exhaustivo de producciones, plantea algunas ideas atrayentes, como el uso, cada vez más frecuente, de la Historia por los medios de comunicación, que incluye la siguiente reflexión: «Deberíamos diferenciar entre los hechos históricos, estudiados por los historiadores con base en evidencias, y las narrativas y discursos que circulan en la esfera pública, a menudo articulados a través de los medios de comunicación» (p. 80). Como ejemplo sitúa la visión del conflicto, teniendo en cuenta, tanto la ficción histórica, como los documentales y los reportajes, desde los planteamientos catalanistas.

S. de Pablo, esboza un curioso título «¿Invasión o conflicto fratricida? El País Vasco y la Guerra Civil en Euskal Telebista» (p. 101-118), capítulo que analiza la influencia política de los partidos en la programación del canal autonómico vasco, que desde el PNV, supone una interferencia en el imaginario del recuerdo, pues lo vincula con la propia memoria. Aunque la producción es importante, se ha centrado en dos series documentales, Todavía ayer (1991-1992) y la Guerra Civil en Euskadi (1996), ambas dirigidas por el periodista Koldo San Sebastián «principal exponente de la historiografía vinculada al PNV» durante las décadas de los ochenta y noventa (p. 104). Quizá, desde el punto de vista metodológico, de Pablo recuerda la importancia de no separar, a la hora de trabajar con este tipo de materiales, el contexto político y social en el que se produjeron las series.

Ahora nos adentramos en la segunda parte del libro, dedicada al análisis de las producciones de ficción histórica. Cada uno de los investigadores irá proponiendo sus conclusiones centradas en algunos de los títulos producidos.

El trabajo de F. López, «Ardor democrático, ficciones bélicas y TVE en la década de 1980» (p. 121-140), debería ser enlazado con el de Hernández Corchete, viéndose como un complemente de aquel. En el señala la importancia de la II República y la Guerra Civil como argumento en una programación bajo la sombra del PSOE. Sin embargo, y situándose, como un punto y seguido de un trabajo propio anterior, ahora ha seleccionado dos series de ficción, La Plaza del diamante y Lorca, muerte de un poeta. López, con un planteamiento metodológico homogéneo plantea los siguientes temas de análisis: revisión del estatus social de los autores, Redondela y García Lorca, en la sociedad española del momento; el uso de la lengua y de la música; observación con respecto a la reconstrucción los ambientes; y el discurso sobre la guerra.

La propuesta de R. Gutiérrez Delgado y P. Diego González, «El contexto prebélico en La Señora y 14 de abril. La República. Representación dramática y producción del mito» (pp. 141-168), me parece una de las más interesantes. El trabajo aborda, tanto la contextualización televisiva de las series, como el modo de presentación de los aspectos históricos a través de la ficción dramática. Aquí, teniendo en cuenta los aspectos de la narración audiovisual, plantea la perfecta sintonía entre la tradición dramática teatral española y las series, ambas producidas por TVE y Diagonal TV: La Señora (2008-2010) y 14 de abril. La República (2011-). En definitiva, mediante la recreación de los ambientes y de los lugares, junto al estilo dramático del teatro español de finales del siglo XIX y principios del XX, se consigue recuperar la memoria histórica (p. 167).

J.C. Rueda Laffond y E. Galán Fajardo, «Huellas y sombras. La Guerra Civil en la ficción televisiva histórica nacional (2001-2012)» (p. 169-196), completan la revisión de títulos con dos nuevas series, ambas producidas por TVE y Hill Valley, Plaza de España (2011) y Amar en tiempos revueltos (2005-2011; 1500 entregas).

Este loable trabajo colectivo ha querido abordar el lugar ocupado la Guerra Civil como temática dentro de la producción televisiva, mayoritariamente originada en TVE. Lógicamente, como ya ha apuntado alguno de los autores, cada una de los títulos tiene una contextualización sociedad y política propias, que para Cataluña y Euskadi, implican una argumentación nacionalista.

Publicada en la revista Historia y Comunicación Social, vol. 19 (2014), pp. 391-393. Disponible en: http://revistas.ucm.es/index.php/HICS/article/view/47567/44585

Manuel Laguillo. Razón y ciudad. Reseña breve del libro

Portada_LibroManolo Laguillo

Razón y Ciudad

Madrid: Fundación ICO; La Fábrica, 2013. 35 págs..

ISBN: 978-84-156191-27-3

El catalogo de fotografía Razón y Ciudad reúne y revisa las obras más importantes realizadas por el fotógrafo Manolo Laguillo hasta hoy, momento en el que sigue trabajando. Elaborado bajo la dirección del artista y con los comentarios de historiadores, teóricos de la fotografía, arquitectos y escritores (Alberto Martín y Laura González Flores; Valentín Román e Iván de la Nuez; Juan Herreros y Javier Pérez Andújar) se trata de un espacio para la reflexión y el análisis de uno de los mejores fotógrafos de la ciudad y la arquitectura que ha dado este país.

La elección de las personas que acompañan al observador en este aspecto no tiene nada de sorprendente, Manolo Laguillo es un artista que reflexiona constantemente sobre la historia y la metodología de su disciplina, muy ligado al mundo de la arquitectura, un apasionado de la música y un lector con mayúsculas.

Esperanza de Coig-O’Donnel (Audema)

Reseña catálogo exposición Escrito sobre el cuerpo Shirin Neshat

PortadaZaya, O. (2013) Escrito sobre el cuerpo Shirin Neshat Written on the body. Madrid: Fundación Telefónica, La Fábrica.

El catálogo, en una edición bilingüe español-inglés, es una pequeña guía de la exposición Shirin Neshat. Escrito sobre el cuerpo, muestra que se integra dentro de los actos de PHE13. El esquema del libro es sencillo y los textos son extremadamente divulgativos. El primero de ellos, Escrito sobre el cuerpo (pp. 10-15), cuyo autor es Octavio Zaya, comisario de la exposición, resume la trayectoria de esta intelectual, que «interactúa» con la fotografía y los formatos audiovisuales, y nos presenta la argumentación narrativa de los documentos expuestos, contextualizando obra recopilada.

Un segundo capítulo, El arte de Shirin Neshat (pp., 58-71), escrito por Shahram Karimi, profundiza en la obra de la fotógrafa, uno de cuyos temas se inspira en la educación religiosa, con proyección en el arte: la mujer con velo (p. 58). Un primer paso lo daría en la serie Women of Allah (Mujeres de Alá), con un largo viaje al interior de la historia, cultura y arte milenario de Irán. A partir de aquí, Karimi plantea un recorrido resumido a lo largo del resto de su obra, analizando la inspiración y el significado de cada uno de los proyectos, como Rapture (Éxtasis), The Last Word (La última palabra), Zarin, Women without Men (Mujeres sin hombres) o El libro de los reyes.

Aparte de los textos presentación, el grueso del catálogo queda reservado a la reproducción de las veinte fotografías expuestas, junto a varios fotogramas de los audiovisuales proyectados (pp.17-57). Las reproducciones son de excelente calidad y algunos de los documentos están acompañados con los textos de varios poemas.

Los audiovisuales son Zarin (2005) y OverRuled (2012). El primero es un cortometraje que impulsaría el largo Women without Men, inspirado en la novela homónima de la también iraní Shahrnus Parsipur. El otro, es una recreación del juicio del mártir Mansur al-Hallaj, un derviche sufí del siglo X, acusado de hereje y desmembrado públicamente.

Quizá, de toda la muestra, y por tanto en el catálogo, destacan dos grupos: la serie Éxtasis (1999) y la serie Libro de los reyes (2013). En el primero, fotografías en formato horizontal y en blanco y negro, aparecen un numeroso grupo de mujeres con el shador, no hay niñas, no hay adolescentes, deambulando por una playa. En mi opinión, traslada sentimientos profundos y desoladores, principalmente el de soledad. Curiosamente, pese a su abultado número, aparecen desasistidas y abandonadas. La unión del mar, la arena, un pequeño puerto y una barca, sin la presencia del hombre, da la impresión de haber sido abandonadas en una isla desierta. No se sí esta era la idea de Shirin, pero retrata, a su manera es espacio que ocupa la mujer musulmana en los países gobernados férreamente desde el Islam.

El segundo grupo, personalmente me agrada más, está inspirado en el poema épico persa del siglo X, El libro de los reyes (Shahnamek), escrito por Abul Qasim Ferdowsi. En él se relata el pasado mitológico de Irán, desde la creación del mundo hasta el siglo VII. Las fotografías, están inspiradas en las más de doscientas miniaturas que ilustran el manuscrito, tatuadas en los torsos desnudos de varios hombres. El contraste entre los torsos desnudos, las miniaturas tatuadas y el fondo oscuro es impresionante. No obstante, creo que aquí se localizan dos de las mejores fotografías, los rostros de dos plañideros, que parecen tatuados con el texto del relato.

El libro se cierra con las fichas catalográficas de las obras expuestas y una breve biografía de la autora.

En definitiva, el catálogo, por su formato y tamaño, puede ser empleado como una guía breve de mano, pero también, como una obra de referencia visual de la obras de Shirin Neshat.

Reseña publicada en: Malalana Ureña, A. (2013) «Escrito sobre el cuerpo». Index Comunicación, [en línea] (3), pp. 177-178. Disponible en: http://journals.sfu.ca/indexcomunicacion/index.php/indexcomunicacion/article/view/63/64

Alfonso. Obras maestras

Catalogo_Alfonso 1 copiaChema Conesa (ed.) Alfonso. Obras maestras.  Madrid: La Fábrica, 2012, 283 págs. ISBN: 978-84-15303-61-9

El valor patrimonial de los Alfonso es inagotable, tanto por el material fotográfico conocido, como por el que aún puede quedar por descubrir. Igualmente, sirve de constante inspiración para los especialistas en la fotografía o en la historia reciente de España. Cada vez que se edita un nuevo trabajo, sobre todo si este incluye abundante material iconográfico, inmediatamente se convierte en título de referencia. La editorial La Fabrica, especializada en la edición de libros que aborda la temática de la fotografía, acaba de publicar: Alfonso. Obras maestras.

Si atendemos a su estructura, el editor ha dado protagonismo a la fotografía, pero sin abandonar una correcta contextualización de los fotógrafos. A lo largo de sus páginas se han intercalado una serie de textos que deben ayudar a entender, con mayor objetividad, el trabajo y el significado de la saga Alfonso. El primero de estos pequeños trabajos está firmado por C. Conesa, que bajo el título “Los Alfonso y la memoria visual de España” (pp. 12-27), desarrolla una interesante reflexión sobre la fotografía de prensa y de sus autores, los reporteros; contextualizando el valor, de lo que el identifica como la firma Alfonso, una dinastía integrada por el padre, Alfonso Sánchez García y sus hijos. Parte de la herencia documental conservada son los 116000 negativos depositados en el Archivo General de la Administración. Este conjunto es imprescindible para contemplar visualmente la España la primera mitad del siglo XX. No obstante, existe un antes y un después como consecuencia del final de la Guerra Civil, y que tiene como resultado la formación de dos grandes bloques temáticos. La victoria franquista y de la derrota de la República pone fina a la aportación en clave fotoperiodístida, que es única. Posteriormente, y a partir de 1940, aunque se les permite seguir desarrollando esta actividad, se verán obligados a renunciar al ojo periodístico, para convertirse en fotógrafos de estudio. Así, del conjunto de negativos, 40.000 pertenecerían a la primera fase, y el resto a la fotografía relaciona con el trabajo desarrollado en su local en la Gran Vía madrileña. Por otro lado, Conesa quiere que entendamos que no existe una visión uniforme del mundo, ni una herencia similar, pues existen diferentes estilos, fundamentalmente entre los Alfonso, padre e hijo.

El segundo de los textos es de A. Rodrigo de las Heras, “La profundidad del tiempo” (pp. 18-28), que indaga en la expresión del tiempo en la fotografía, como la percepción del cambio en la sociedad española, la personal perspicacia hacia los conflictos bélicos, con sus imágenes de la Guerra de Marruecos, de la II República y la Guerra Civil.

Cierran este apartado, dos trabajos, uno de contenido cronológico redactado por J.M. Sánchez Vigil, “Cronología” (pp. 193-215), en donde se pone orden a la marca Alfonso, vidas, trabajos y patrimonio fotográfico generado. Desde 1880, año en el que nace el padre de la saga, hasta finales del siglo XX, cuando mueren José, en Alemania y Luis. Y un segundo, de carácter enciclopédico, su autor G. Ortiz, “Biografías” (pp. 278-283), ha preparado un listado, con perfiles resumidos, de personajes relacionados con el trabajo de los Alfonso.

El último de los contenidos, bajo el encabezado “Del daguerrotipo a la Academia”, incluye la transcripción del discurso preparado, pero no leído públicamente, por Alfonso Sánchez Portela con motivo de su incorporación a la Academia de Bellas Artes de San Fernando, en 1989.

El libro se completa y complementa con una selección de fotografía estructurados en dos bloques, el primero de ellos lleva el encabezamiento La fotografía en Madrid es muy rica en tipos y paisajes. Carente la villa de un folclore localista, tenemos bellas estampas populares que no se paran en el tiempo. Se transforman y enriquecen sin perder su esencia, que aglutina más de un centenar de documentos relacionados con la monarquía española, la Guerra de Marruecos, Dictadura de Primo de Rivera, diferentes aspectos de la vida cotidiana, etc. El segundo, con cerca de cuarenta instantáneas, bajo el encabezado Estamos en el imperio de la imagen, aunque el automatismo ha limitado el impulso personal y creativo que encontramos y admiramos en las obras maestras, esta dedicado a la Guerra Civil España, que comienza con la sobrecogedora fotografía del asalto al Cuartel de la Montaña en Madrid, en julio de 1936, y se cierra con la despedida de la Legión Condor en Barajas, en mayo de 1939.

El presente trabajo, en si mismo, no es una sorpresa; sin embargo, el material fotográfico de la saga Alfonso no deja de sorprendernos.

Versión editada en revista científica: https://www.academia.edu/5287286/Alfonso._Obras_maestras_de_Chema_Conesa_ed._